El Día del Espectador

La Segunda Guerra Mundial siempre le ha dado a Hollywood mucho material para realizar películas. Se podría crear una nueva categoría dentro del cine bélico que fuese para este evento. Hemos visto guerras, historias de amor, momentos decisivos, situaciones políticas, puntos de vistas sobre un mismo conflicto… así podríamos estar todo el artículo. La nueva película de Peter Webber toca un tema que ha sido poco explotado en el cine, el fin de la Segunda Guerra Mundial, el exacto momento en el que se puede zanjar las disputas políticas.

La historia nos sitúa en Japón tras la caída de las bombas atómicas, el general Douglas MacArthur (Tommy Lee Jones) y un capitán (Matthew Fox), tendrán que tomar la dura decisión si el emperador de Japón, Hirohito, es declarado prisionero de guerra o no. Con este buen planteamiento se añade una historia de amor del capitán con una japonesa, contada a través de flashbacks.

Históricamente hablando es una buena película, muy interesante, ya que cuenta hechos que son poco conocidos para las personas. La moralidad de la decisión es palpable en el film y en ocasiones te hace dudar quien empezó la guerra. Los diálogos son los que te transmiten el horror de la guerra y hacen que el corazón se te encoja, luego las imágenes de las ciudades japonesas destruidas son meros refuerzos a lo que ya te han contado. Siguiendo con el tema de los diálogos, son los que hacen que Matthew Fox comience a destacar como actor, ya que en ocasiones la fuerza decae un poco cuando lleva mucho tiempo en pantalla, le queda un largo camino para ser tan buen actor como su compañero Tommy Lee Jones, el cual no hay palabras para describirle.

Uno de los principales problemas que tiene la película es la historia de amor, con ello no quiero decir que no me guste, sino que no está bien contada. Alguien tuvo que creer que sino la metían en el guion, se iba a quedar cojo. La intención está clara, darle un trasfondo al capitán para que le cueste más tomar una decisión, pero tiene menos química con la novia japonesa, que no llega a cumplir su intención. Y en ningún momento te preocupas por ellos y solo quieres ver que le pasará al Emperador.

En general es una muy buena película, se deja ver y te mantiene interesado hasta el final, en el que descubres el destino de Hirohito. Esperemos que esta película sea un llamamiento a Hollywood para que desarrollen más películas bélicas de este estilo, y que empiecen a mostrar otros lados de la guerra nunca antes vistos.

Néstor Sánchez

En los años 80 todo valía, no había restricciones de ningún tipo. Si te apetecía sacar unas tetas, las sacabas; si te apetecía mostrar sangre y vísceras, lo hacías; y si te apetecía hacer películas maduras con trasfondos socio-políticos, pero con cierto toque de ciencia-ficción, llamabas a Paul Verhoeven. Y eso es lo que hizo Hollywood en 1987, llamo a este director holandés para filmar la película de “Robocop”. La cual no le fue muy bien en taquilla pero rápidamente y hasta día de hoy es una película de culto por excelencia, muy bien valorada. Por lo tanto en el momento en que Hollywood anuncio que iba hacer un remake, la gente se volvió loca. Como iban hacer algo tan maduro y con trasfondo una productora americana del Siglo XXI. Pues debo decir que remake es muy bueno, y consigue transportar el espíritu de la original a este nuevo siglo, manteniéndolo intacto. Debe ser que les funcionó coger a un director de afuera y por eso esta vez han cogido al brasileño José Padilha (famoso por su “Tropa de Élite”)

La nueva película de “Robocop” es una relectura de la original pero con problemas actuales y temáticas más conformes a nuestros gustos. Podemos ver a un Robocop que llora, que no le gusta lo que ve, que añora a su familia y que hará todo por ella… todo esto explicado con términos científicos (como bajar la dopamina de Murphy), que hacen que entendamos mejor la relación entre la mente humana y el cuerpo de robot.

La película trata nuevos temas morales (además de los antiguos), como el uso de maquinaria en guerras. Y como la mentalidad americana quiere la soberanía mundial. Este punto está perfectamente interpretado en el personaje de Samuel L. Jackson, el cual es un excéntrico y facha presentador de un programa de televisión. No cuenta nada, pero nos sirve como hilo conductor de toda la película haciéndonos preguntas éticas cada “x” minutos.

Antes de acabar, quiero hablar del traje de Robocop, muchos diréis que no se parece en nada el antiguo y normal que no se parezca. Ya que aquel traje era lo máximo que podían llegar en la época. Ahora con efectos y maquillaje han podido crear un traje con todo tipo de dispositivos. Pero tranquilos, que no se han olvidado de los más acérrimos al pasado, los movimientos de Robocop siguen siendo mecánicos, es decir, movimientos de robot.

En general estamos ante una buena película, un muy aceptable remake y sobre todo, muy entretenida. Que hará que las dos horas que dura la película se pasen volando. Tanto si sois amantes de la original como si nunca la habéis visto, darle una oportunidad a esta nueva revisión del policía robotizado, que seguro no os defrauda

Néstor Sánchez

El estreno del remake de “Old Boy” ha sido una espera muuuuuuuy larga…cambios de directores, de actores, de fechas… pero por fin llegó y la vi. Antes de seguir quiero decir que Old Boy es para mí: mi biblia, LA película, el antes y el después. Por lo tanto, en el momento que supe que Hollywood quería hacer una remake de ella: salte de alegría y enfado. Más enfado que alegría, pero según iban saliendo noticias y posters, el enfado fue pasando a curiosidad; y ésta a “démosle una oportunidad, a fin de cuentas, es una nueva visión”. Volviendo al tema, por fin vi el remake… y debo decir (en términos futbolísticos) que: “uuuyyyy casi, por poco roza el poste”.

Nos encontramos con un remake dirigido por Spike Lee, director que se dio a conocer por sus películas con temática sociales, sobre todo de culturas callejeras separadas por el color de la piel. Pero su estilo se ha ido diluyendo, hasta llegar hacer películas por encargo. A esto hay que añadirle el reparto protagonistas, Josh Brolin y Sharito Copley. Debo decir que son actores más que aceptables que poco a poco se hacen un hueco… pero no pegan ni con cola para “Old Boy”. Este mix tiene como resultado una película directa, que lo que ves, es lo que hay. Y no insinúa y deja ver como en la predecesora. Es tan directa que llega a ser basta, haciendo que el “villano” insulte soezmente al “héroe”. Recordemos que en la anterior el malo estaba tan bien definido que tenía cierto carisma que te hacía entenderlo. Sin alejarnos del punto a discutir, esta nueva versión nos muestra al director de la cárcel más violento. Pero no una violencia justificada, sino sin sentido, puro placer por el sufrimiento de otros.

Pero es en los momentos donde decide tirarse al vacío, donde acierta, como la famosa escena de la pelea en plano lateral, donde Spike Lee le da una vuelta de tuerca curiosa a la original.

Por último me queda por decir, que la mezcla que han intentado hacer entre el manga y la película original, no funciona y es lo que provoca que el final no se mantenga en pie, y no te lo creas.

Aunque tenga muchas cosas negativas, tiene otras que merecen ser vistas. Esto nos da un producto que podría haber sido mucho más si no hubieran tenido tanto miedo a cagarla y se hubieran decantando por el manga o por la película. En general se deja ver, siempre y cuando, no te la tomes en serio.

La nueva película de Martin Scorsese llega a los cines de España con polémica. Ni Cinesa ni Kinepolis acepta las tarifas que le les exigía la distribuidora Universal para exhibir la película. Pasas tiempos oscuros en las salas, y estas hacen todo lo posible para que nosotros, los espectadores, vayamos al cine. Por lo tanto no me quiero ni imaginar la tarifa que les proponía para rechazas una película de Scorsese, con DiCaprio actuando y que esté entre las nominadas a los Oscars… esperemos que en un futuro puedan arreglar sus diferencias. Ahora vayamos a lo que nos interesa… “El Lobo de Wall Street”.

La nueva película de Martin nos cuenta la verdadera e histriónica vida del famoso broker Jordan Belfort, el cual, mediante fraudes bursátiles pudo ganar una millonada cada semana. La película nos cuenta desde su primer trabajo como broker, y vamos viendo como se produce su ascenso económico y su descenso humano. Desde que comienza hasta que acaba no pararemos de ver las locuras y excentricidades del protagonista, su falta de respeto al humano, le permitirán hacer competiciones de tirar enanos a una diana, o convertir las oficinas en bacanales, al más puro estilo romano.

La película se cuenta con un tono de comedia gamberra y de humor negro, que sabes que no te tienes que reír, pero consigues apartar tus sentimientos y partirte la caja. Esta claro que éste no es el estilo característico del director, pero consigue dirigirlo con maestría y locura, como sólo Martin podría.

Como no se podría decir otra cosa, el director nos vuelve a deleitar con un nivel técnico insuperable, montado de manera magistral y un ritmo frenético que harán que las 3 horas que dura la película, se convierta en sólo una. Claro que no podía faltar, su referencia a su grupo de rock favorito, Rolling Stones, los cuales pondrá la guinda final al ritmo frenético de la película.

Si hablamos de los actores, poco hay que decir, DiCaprio nos ofrece uno de sus papeles locos de los últimos años. Desconozco si le darán el Oscar; lo dudo, ya que Matthew McConaughey, por “Dallas Buyers Club”, apunta muy fuerte. El elenco secundario del film, no se queda atrás y ofrecen a la cinta un nivel interpretativo difícil de superar. Mención especial a Jonah Hill (el niño bueno de América)

Se que vivimos tiempos duros, económicamente hablando, y que ver banqueros o cabrones que roban dinero para que ellos sean un poco más ricos, hace que nos hierva la sangre. No entendemos nada de economía y así, poco a poco, nos la van colando… que asco de mundo, ¿no? Pero ahora, tengo que decir, que la película, aunque nos muestre éste hecho que tanto nos hace enfadar, consigue ponernos en un punto, que es posible entender a los brokers… a quien quiero mentir, cuando acabas la película piensas, “Que se jodan” y “Joder, que buena película”.

Néstor Sánchez

La palabra “independiente”, se podría decir, que es una de las más usadas en cualquier ámbito de textos culturales. En el momento en que el texto es producido por alguien desconocido o con poco dinero se dice que es “independiente”. Por lo tanto tenemos: cine independiente, música independiente, videojuegos independientes, libros independientes… Pero, ¿que pasa si una película independiente habla sobre otro objeto independiente? Lo que pasa es que tenemos documentales tan curiosos e increíbles como “Indie Game: The movie” o chistes tan malos como “Indieception”.

Este documental independiente habla sobre la “industria” independiente del videojuego, a través de 3 diseñadores y sus respectivos juegos. Cada uno muestra las distintas partes del desarrollo y las constantes dificultades que tienen en este mundo controlado y gestionado por las grandes empresas. Aunque el documental se centre en los videojuegos, gracias su formato y su estructura, se puede extrapolar a otros textos culturales. Y nos ofrece un abanico de cómo funciona este mundo.

El documental se presenta con un corte clásico, entrevista y seguimiento de la persona que está siendo documentada. Con insertos en el medio de miradas perdidas y espacios vacíos donde se te informa donde está o que es lo que está pasando por su cabeza (tal es así que ganaron el premio a mejor montaje en el festival de Sundance). Además se les añade imágenes de los videojuegos que están desarrollando los diseñadores. Éste estilo se contrapone con su temática actual, dando como resultado un documental, que viendo como avanza la industria del entretenimiento, atemporal. Seguro que en 20 años este documental puede seguir teniendo la frescura original.

Si hay que ponerle pegas a la película es su temática cerrada en el ámbito estadounidense. Se puede entender que la falta de dinero o tiempo no les permitiera irse a otros países a mostrar la situación de la industria del videojuego. Pero podría haber puesto algún texto o título diciendo que eso no solo ocurre en USA sino en todo el mundo, ya que hoy en día los videojuegos son internacionales, salen antes en formato digital para descargar. Por lo tanto lo que ocurre en un país afecta al resto del mundo.

En general y como conclusión estamos ante un documental muy bien narrado y montado y tan bien explicado que no hace falta entender de videojuegos para poder entenderlo. Así que si tiene idea o no de los videojuegos, este documental te abrirá un mundo desconocido o te hará entender cosas que antes desconocías.

NÉSTOR SÁNCHEZ & DIEGO REAL

Corriendo por la ciudad  mientras una estampida de animales africanos te siguen como en JUMANJI

Ya hemos visto de todo estas navidades, y esperemos estar curado de espanto… ¿o no? ¿Qué pasaría si descubrieses un juego de mesa que trae a la vida todo lo que el juego dice? Pues que estarías viendo Jumanji, una de las grandes películas de los 90. Una película que la ponen siempre en la tele y si te la cruzas mientras haces zapping, aunque este empezada, te quedas viéndola. Es muy agradable de ver, te ríes, Robin Williams lo hace genial y te lo pasas como un niño con sus aventuras.

Y es que Jumanji no solo trata de animales, estampidas y cazadores locos, sino de la relación entre un padre y un hijo que no llega a consumarse: un niño que desaparece y nunca más vuelve a ver a sus padres ni decirles “te quiero”… Joder… es que dan ganas hasta de llorar :’(

¿No os gustaría pasar así las fiestas de navidad? Corriendo en taparrabos por toda la ciudad gritando “ESTAMPIDA” mientras una panda de animales te persigue… me parece que en la noche de reyes voy a ir al Zoo… a ver si se cumplen mis sueños.

Con una panda de anormales que además son tu familia como en NATIONAL LAMPOON´S CHRISTMAS VACATION

Termina 2013 y, como me temía, nadie se ha hecho eco del 30º Aniversario de la mítica saga National Lampoon´s Vacation. Pero ya me lo temía, si se reivindica una comedia debe ser indie o sesuda, pues bien, ese no es mi estilo y aquí aporto mi granito hablando de la tercera parte de esta saga: National Lampoon´s Christmas Vacation.

Otras vez repiten los geniales la guapísima y graciosísima Berverly D´Angelo y, por supuesto, Chevy Chase uno de los mejores actores de comedia. Muestra de ello es uno de sus mejores personajes, Clark Griswold, un perfecto gilipollas tan asesinable como divertido padre de una  familia decadente y perturbadora, siendo lo más cercano que estaremos jamás de ver una versión en imagen real de Los Simpson o Padre de familia.

Con la excusa de la Navidad, el film es una lección sobre tipos de humor: del juego de palabras (la escena de la dependienta buenorra) hasta el puro slapstick (la escena de las luces, al más puro estilo Harold Lloyd y el reloj). Incluso cuando parece que va a caer en la típica escena dramática, de pronto pasa algo que hace que se te caigan los huevos al suelo y no paras de reír. Por ilustrar esto, ese gag a modo de mcguffin de las luces de navidad que no se encienden, una metáfora de la búsqueda de un fracasado por pasar la festividad más superficial y perfecta con su imperfecta familia.

Pero me cago en todo,  lo mejor es EDDIE, JODER siendo repugnante y soez como delicioso. Inolvidable la escena en la que hablan de la eyaculación de su perro mientras beben ponche de huevo. Eddie es el GRAN personaje de la película, tanto es así que incluso existe un spin off/secuela de esta película lanzada directamente a vídeo que tiene a Eddie como protagonista.

Y ojo con los personajes de los vecinos,  tampoco están por casualidad. Ahí está la pareja joven, atractiva, liberal triunfadora y SIN HIJOS nunca será tan feliz como una familia imperfecta. Y que queréis que os diga, la Navidad sin mensaje tremendamente conservador y tradicional es inconcebible.

Disfrutando como un niño al descubrir que los vengadores fiesteros existen como en EL ORIGEN DE LOS GUARDIANES

Sabemos que cuando somos pequeños nos llenan de mentiras que conforman nuestro mundo y le dan un sentido a todos los hechos inexplicables. Si se nos cae un diente, viene el hada de los dientes; si es Semana Santa, un conejo nos deja huevos; si es Navidad, un gordo nos da regalos… ¿quién se puede creer todo esto? Pues todos nos lo hemos comido con patatas. Alguien creo estos seres inexistentes para… para… que sea todo más guay cuando eres pequeño (guardianes que te protegen cuando eres chico). Pero cuando ya te haces mayor… toca lo que toca, aceptar la cruda realidad. Por ello nuestros amigos de Dreamworks, se curraron esta película para explicarnos El origen de los guardianes.

La película nos da explicaciones de cómo se crearon todos los grandes guardianes que vigilan a los niños y niñas del mundo, además nos muestra como los miedos se conforman y atacan a los más débiles. Cuando la veáis, no le deis muchas vueltas, porque si lo hacéis, veréis que es una película con un trasfondo horrible donde un ser mata a personas inocentes… no cuento nada más, por no hacer spoiler.

Ahora, si queréis alegraros, ver esta película que os recuerda como ser niños, y no veáis la de Álvaro Tejero, que os recordará como ser mayores…

Cortando dedos en clubes de strip-tease como en LA COSECHA DE HIELO

 

Todo el mundo pierde la cabeza por Connie Nielsen

Pasemos de superhéroes y salgamos a la calle a ensuciarnos los zapatos de barro. Eso es lo que hace el protagonista de La Cosecha de Hielo.

En vez de una agotadora cena familiar en Nochebuena  el abogado de la mafia Charlie Arglist decide aliarse con un sádico compañero para robarle dinero al capo de Kansas City. Ese lucrativo plan le llevará a pasar la noche de un club de strip-tease a otro, involucrarse en amputaciones de miembros, asesinatos a miembros de las fuerzas del orden, borracheras con el mamón que ahora se acuesta con su ex y un sinfín más de situaciones en una noche interminable en la que también encuentra hueco para comprar en una gasolinera los regalos para sus hijos.

Pero por supuesto, todo esto no lo hace por dinero. John Cusack, ese actor que a todo el mundo le cae bien y desearíamos tener en la familia, pierde la cabeza por una mujer...y vaya mujer. Al final todos somos unos románticos y el cine negro no es tal sino hay una femme fatale que incendie los bajos de los protagonistas masculinos.

El director de Atrapado en el tiempo ofrece una cinta mortalmente divertida, un alternativo cuento navideño que demuestra que la Nochebuena puede ser divertida...y más si se frecuentan clubes de strip-tease.

Néstor Sánchez

Parece ser que el cine español se está poniendo las pilas. Cada semana estrenan una entre todas las americanas que comienzan su carrera a los Oscars. Y no solo eso, sino que cuando entras a la sala a ver una película española, da gusto ver todos los asientos ocupados por gente dispuesta a gastarse el dinero en la opción nacional. Esta semana nos ha llegado “3 Bodas de más”, la película que se anuncia hasta en la sopa, hay publicidad en cada esquina de la televisión, de Internet y de la calle. No se si es porque no confiaban en ella o, a lo mejor, les sobraba el dinero para desplegar tal armamento. O a lo mejor… no confiaban en el director (Javier Ruiz Caldera), recordemos que es el mismo que la intragable “Spanish Movie”… Bueno pues que los productores estén tranquilos, porque han hecho un producto que funciona.

La comedia romántica nos presenta a Ruth (Inma Cuesta) una chica con muy mala suerte en el amor que es invitada a 3 bodas de 3 exnovios diferentes. Ella decidirá ir a las 3 para demostrarse a si misma que lo ha superado… claro está, que nada saldrá como ella esperaba. En general, todos los personajes está muy trabajados y sus psiques contrastan con la protagonista. Entre ellos destacan Berto Romero o Paco León. El personaje principal nos recuerda a esa otra gran mujer que harta de los hombres decidió dar un vuelco a su vida, Bridget Jones, pero para ello tendría que superar una serie de pruebas humillantes para ella y cómicas para el espectador. Esta versión española de Bridget Jones consigue lo que pretende, hacerte reír, pero…

Ahora vienen las cosas malas. El hecho de que la película sea una consecución de gags (funcionan y te hacen reír) y puedas ver la evolución del personaje entre gag y gag, hacen de la película un reloj. Sabes en cada momento que va a ocurrir después, además, esto se remarca, con los incontables e insufribles momentos musicales. La peli dura una hora y media, si quitarán los más de 10 momentos de cámara lenta con música romántica de fondo se quedaría en una hora. Parece estar dirigido por alguien de televisión que sabe cuando tienen que entrar los anuncios.

Volviendo al tema del director, gracias al nuevo film se puede asegurar que ha madurado su técnica. A lo mejor es porque tenía un mejor guión que dirigir o se ha dado cuenta de sus errores del pasado… lo que importa es que va cogiendo un estilo propio, que esperemos use en su siguiente film, nada más que una adaptación de los cómics de Anacleto.

En general nos encontramos con un producto gracioso y divertido que te permitirá reírte con sus gags y pasar un buen rato entre los momentos musicales. Las actuaciones son muy acertadas y es gracias al trabajo de casting. Si no queréis comeros muchos la cabeza y reír durante una hora y media, ir al cine a verla.

Néstor Sánchez

La segunda parte de Los Juegos del Hambre estrena nuevo director. Después de la patada al libro que le metió Gary Ross con la primera parte (mostraba más planos de gente comiendo que pasando hambre), Francis Lawrence no lo tenía muy difícil para superarle. Y así es, lo ha conseguido. Ha hecho un film más cercano a la filosofía del libro. Por el resto todo sigue igual, vuelve a actuar la guapísima Jennifer Lawrence, el insulso hermano de Thor y el que por mucha cara de niño que tenga no pega ni con cola para el papel Josh Hutcherson. A ellos se les une grandes actores de los que destaca el grandísimo Stanley Tucci (haga lo que haga lo hace bien. Llamamiento: por favor, empezar a darle papeles protagonistas y no siempre secundarios) 

Nada más empezar sabes que el film va a ser mejor que el primero, los planos están más trabajado, hay preciosos juegos de contraste de luces al comienzo de la película que rápidamente te enganchara… la escenas donde recuerdan a los caídos en los anteriores juegos, están muy bien conseguidas… en general tiene un buen comienzo.

Este segundo film continua la historia de la Katniss, la chica de fuego, la que consiguió escapar de los juegos y encima, retar al Capitolio. Pero ahora, el presidente la quiere ver muerta y hará todo lo posible para matarla y que cesen los movimientos revolucionarios que ella ha provocado. Ante esta sinopsis tan  atractiva, nos encontramos con un film soso, sin emoción, sin vida… a pesar de ser más fiel al libro. En todo momento estamos siendo testigos de los rifi rafes de Katniss y el gobierno, y tu como espectador piensas: aquí se va a liar de dios… pero no es así, lo que nos encontramos son escenas de acción aburridas y una seguida de otra en los últimos 30 minutos de la película. Por lo tanto nos deja con la primera hora y media de piques entre unos y otros, como si fuesen dos niños enfadados.

Claro está que toda critica negativa que estoy haciendo en cuanto a la historia, están influenciadas por el libro, pero la película que supuestamente es otro tipo de lenguaje, recae en el mismo error. La falta de tensión en la película. En ningún momento sientes que la vida de ellos corra peligro, o que estén haciendo algo grande… hasta que al final por arte de magia y con una simple frase te lo explican todo y tu asombrado por el notación, quieres ganas de más…pues no, la película acaba ahí y tu para casa a esperar la tercera película. Que por cierto, para ganar más dinero, la dividirán en dos, como llevan haciendo estos últimos años.

En conclusión, es una película entretenida, pero que por la falta de tensión puede que las dos horas se te conviertan en tres. Esperemos que las siguientes consigan tener la fuerza visual y emocional que el tercer libro te ofrece

Néstor Sánchez

Ahora que ha pasado la noche de los muertos, la noche donde todos nuestros miedos cobran realidad… es hora de pensar un poco. De llevar “más allá” uno de los géneros cinematográficos que más recauda en taquilla, el terror. A muchos de nosotros, me incluyo, no nos gustan ver películas de miedo, principalmente porque se pasa mal y no disfrutas de algo que deberías estar haciéndolo. Pero los números no engañan, si una película de miedo rompe la taquilla, se sobreentiende que a la gente le gusta pasar miedo. Por ello vamos a intentar comprender porque nos gusta pasarlo mal.

Sabemos que el miedo es una sensación desagradable que crea nuestro cuerpo ante un peligro inminente y nos hace realizar actos como taparse lo ojos, soltarnos las tripas, que nos tiemble el cuerpo, que luego nuestra cabeza no pare de darle vueltas y no te deje dormir… entonces, ¿por qué vemos películas de miedo si lo pasamos mal? Simple, porque nos gusta pasarlo mal. Nos gusta la sensación de sorpresa, de curiosidad, que nos hace avanzar poco a poco en una película, esas sensaciones se mezclan para darte un subidón de adrenalina. Por eso dicen que con películas de miedo quemas calorías, con lo que sudas… Antes de seguir, aclarar que me voy a centrar en películas, ya se que muchas están basadas en novelas mucho más antiguas y aunque refirmen mi posición, complicarían las cosas.

Existen múltiples vertientes psicológicas del origen del miedo, desde que es algo genético, hasta cultural, pasando por conflictos sin resolver. Y si nos fijamos, más o menos las películas se basan en estos 3 puntos para mostrarnos su rostro más terrorífico. En cuanto al primero, desde siempre hemos encontrado películas de terror. En sus inicios, muchos directores se fueron pasando a este género sin explotar, creando películas como "Nosferatu". Es decir, que desde siempre el humano no solo ha teniendo la necesidad de contar historias de miedo, sino que esas historias han sido las mismas desde hace siglos. Siguiendo con el mismo ejemplo, aunque en su momento ver a un vampiro sería lo que más miedo daría en el mundo, hoy en día también les seguimos temiendo, ya no tanto, debido a ciertas películas, pero se le sigue mostrando cierto respeto.

El segundo punto , lo cultural. Ya nos podemos ir a Japón, a España o Brasil, que los miedos serán los mismos. Veremos en sus culturas miedos a, no solo, a los monstruos clásicos, sino, a fantasmas, a leyendas urbanas, espíritus… todos contados desde distintos puntos de vista y con distintos disfraces, pero en sí será el mismo miedo. ¿Y cómo es posible que alrededor del mundo existan los mismos miedos? ¿Es que el miedo también se ha globalizado? ¿El miedo ya es un producto que se comercializa con él? Tal es el punto que encontramos historias del zombies por todo el mundo, ya no es solo una cosa que pueda ocurrir en Nueva York, sino en cualquier esquina del planeta

Y el último punto, más personal, son los conflictos sin resolver. Muy ligado al anterior, vemos siempre unos mismos patrones en toda película de miedo, y en especial de espíritus, y es que normalmente estos surgen por peleas, conflictos, malos rollos… cuando eran humanos. Estos al ver que no pueden culminar sus broncas, se convierte en fantasmas para atemorizar al resto, y conseguir lo que no pudieron hacer en su vida terrenal.

Como veis el miedo es algo innato en nosotros mismos, es algo que llevemos dentro de nuestra mente, y tenemos que vivir con ello. Así que a partir de ahora, darle más oportunidades a las películas de miedo. Ya que no son solo dos horas de sustos encadenados, son auténticos llamamientos a nuestra psicología más básica, nos unen a lo largo de la historia y entre culturas, nos ayudan a ver que todos los miedos surgen ahora que vivimos, y debemos enfrentarnos a ellos, antes de que nuestro fantasma joda a los siguientes que pasen por tu casa.

Néstor Sánchez

¿Qué es el cine? Vaya preguntita… Si investigamos un poco descubrimos frases tan elaboradas que dan que pensar sobre este arte, como por ejemplo “El cine no es un trozo de vida, sino un pedazo de pastel” (Alfred Hitchcock), “El cine es un espejo pintado” (Ettore Scola) o “Una pantalla grande sólo hace el doble de mala a una mala película” (Samule Goldwin)… y así miles más. Pero el cine no solo se caracteriza por sus reflexiones, por ser una ventana a la realidad y demás pantomimas. El cine tiene un elemento que lo hace único al resto de las artes, un elemento que no es trascendental, y no hace falta que filosofemos al respecto. Ese elemento es la PALOMITA

Las palomitas de maíz, alborotos, millo, rositas de maíz, gallitos, poporopos, poscon, popcon, pocorn, poporochos, pochoclos, pururú, pop, popcorn, pop corn, canchita, canguil, pororó, cotufas, crispetas, maíz pira, chivitas, cabritas de maíz, maíz tote, pipocas, rosetas, rosas, roscas, tostones, cocaleca, o flores son la comida por excelencia que se toma mientras ves una película. Aunque tuvieron sus comienzos en 1912, se popularizaron en 1930, durante la crisis económica. Como los americanos necesitaban evadirse de la realidad y llenar su estomago, las exhibidoras comenzaron a vender un producto que sobra en USA, el maíz. Desde entonces se consumen millones de kilos al año en todo el mundo, solo en salas de cines.

Las palomitas no deben entretener en la sala, porque para eso ya está la película, pero si que son un complemento y no se las debe infravalorar. Nos han acompañado desde siempre, a nuestro lado,  podemos estar riendo, llorando o cagando de miedo, ellas están ahí. Han visto más películas que nadie, se conocen cada punto de giro de cualquier film. Así que revindiquemos desde aquí el papel tan importante que tienen ellas en el cine, ya que recordemos son la principal fuente de ingresos de las exhibidoras, sin ellas, hoy en día, no existirían las salas de cine.

Y para acabar una pregunta que creará debate: ¿Molestan las palomitas en la sala de cine?

Néstor Sánchez

Y por fin llegamos a la guinda del pastel, a lo que todos esperábamos, a las películas que saldrán en cine en poco, si no lo han hecho ya. Ya lo hemos dicho pero, lo volvemos a decir, aquí solo daremos unas pinceladas de lo que es la película. A parte, os podréis encontrar con artículos más extensos de ellas, cuando estén a punto de ser estrenadas.

Estas dos secciones son las que agrupan las películas más reconocidas y que todo el mundo espera ver en cartelera. Películas con nombres famosos de actores, actrices, directores y demás, películas que las promocionan por todas partes, películas que están a la vuelta de la esquina para ser estrenadas. Son muchas las que proyectaban allí y podríamos estar horas y horas hablando de ellas. Pero hemos seleccionado aquellas que más nos llamaron la atención, ya sea para mal como para bien.

Al contrario con los anteriores artículos, aquí no encontramos una temática parecida en todas, cada una es de su padre y de su madre. Tenemos desde documentales sobre la droga, hasta animación sobre aviones, pasando por caníbales. Para ello las dispondremos en lista para hablar de cada una de ellas más fácilmente.

“Narco Cultura”: magistral documental sobre la cultura narcotraficante de Ciudad Juárez y el sur de USA. Veremos dos facciones de los hechos, por una parte vemos como México, y sobre todo, sus habitantes sufren las consecuencias de vivir con el miedo de poder morir cualquier día (los narcotraficantes usan las pacificas ciudades para comenzar guerras entre ellos, y los habitantes acaban por recibir balas). Y por otra parte tenemos a los “mexicanos” (lo pongo entre comillas ya que ni siquiera nacieron en México) que aprovechan la cultura del narco para crear canciones alabando sus matanzas y ganar dinero de ello. Los fans de Breaking Bad sabrán de los que le hablo, sino os acordáis, veros el comienzo del capítulo 7 de 7 de la segunda temporada

“The wind rises”: la última película del gran animador Miyazaki. Que para ser la de despedida deja mucho que desear, me explico, es una película preciosa de amor, sobre el creador de los aviones que bombardearon Pearl Harbour, pero se presenta con un ritmo muy lento y una duración exagerada para lo que quiere contar. No se si es porque nos tiene tan acostumbrados a sus bellas fantasías, que al querer hacer una historia más cercana a la realidad, se le ha ido de las manos.

“The face of love”: película que tiene un comienzo magistral, que nos recordó a la sublime “Vértigo” de Hitchcock, pero que en seguida se va por las ramas y a menos que seas un mono, no hay por donde cogerla. Además de que la historia no tiene sentido de la manera en que lo cuenta. Una mujer pierde a su marido y encuentra a otra personas que es exactamente igual a su marido, partiendo de ésta idea, surgen muchos debates morales, pues la peli no trata ninguna de ellas, y se va a lo fácil.

“The zero theorem”: la nueva película de Terry Gilliam. Que decir de ella que no se hayan dicho ya. Como es muy difícil de describir diré lo bueno y lo malo de la película. Lo bueno: su ambientación, vestuario, el contexto que en el que envuelve todo, la actuación de Christopher Waltz. Lo malo: todo lo demás, no tiene sentido alguno la película, una ida de cabeza que solo los más acérrimos a Gilliam les gustará.

“Like father like son”: la ganadora del público en San Sebastian y aclamada en Cannes, un drama sobre dos familias japonesas que se enteran que les cambiaron los hijos al nacer. Una película que te hará plantearte que hace más al hijo: la educación o la sangre. Estupenda interpretaciones de los dos padres de familia. Esperamos tener la suerte de que la distribuyan en nuestro país.

“Futbolín”: la mimada del festival, la que tanto prometía, conociendo los antecedentes del director. Es la primera vez que estoy con Boyero: Campanella no te dediques a la animación, no tienes ni idea del ritmo de este género tan bonito. Que película más mala, podría haber sido un simpático corto y se queda en un aburrido e insulso largometraje.

“Fruitvale station”: si te crees alguien fuerte que no llora por nada, esta es tu película para demostrarte que tienes sentimientos bajo esa coraza. Basada en hechos reales, y a lo mejor aderezada demasiado, nos cuenta el último día de un chico de barrio y cual es su relación con toda su familia. Por cierto, está protagonizada por Micahel B. Jordan, aquél chavalín de la primera temporada de The Wire, menudo estirón.

“Enemy”: ¿Qué pasaría si un día os encontráis con una persona igual a vosotros? Pues que tendrías una película tan rara y liante como Enemy. Basado en un libro de Saramago, Jake Gyllenhaal se interpreta dos veces y nos muestra los debates morales que surgirían en un mundo donde existe alguien físicamente igual a nosotros.

“Gravity”: No voy a decir nada de Gravity, ya que nuestro colaborador Hugo Mugnaiz tiene una excelente crítica de ella: http://eldiadelespectador.blogspot.com.es/2013/10/gravity-hora-y-media-de-puro-cine_4.html

“Le week-end”: una extraña comedia de una pareja mayor, que quiere revivir su luna de miel en París. Nada será lo mismo desde su última vez, la relación está en un punto muerto, y les será muy difícil revivirla. Lo peor del film, es que te la venden como una comedia, pero no lo es. Es un dramón con 2 chistes en el medio y eso es lo que hace la película no llegue a lo que tendría que llegar.

“Caníbal”: La película española que más expectaciones creó en el festival. Que pena que no llegue a cumplirlas. Es una historia de amor interesante, con un caníbal como protagonista, pero no le sacan el partido. Con un comienzo excelente, pasado los 20 minutos se convierte en una aburrida historia de amor, que lo único que la mantiene es la actuación de Antonio de la Torre. Podría haber llegado a mucho más.