Hace 5 meses
Archive for junio 2013
"AFTER EARTH": JADEN CONTRA LA TIERRA, SHYAMALAN CONTRA EL MUNDO
HIMAR
R. AFONSO
Cualquier
opinión sobre una película es legítima. Por lo general, la obra de
Shyamalan no ha conectado con un público demasiado amplio, su fama
llegó con una obra difícil de superar y, en lo que se refiere a la
taquilla, ha ido a cuestas una y otra vez. Yo diría que esa especie
de fenómeno social en torno a El
sexto sentido fue bastante
perjudicial, perdió exclusividad y el amplio análisis que se puede
hacer de las diversas capas de ese filme, se vio reducido a escenas o
frases emblemáticas y que representan muy mal todo lo que significa
El sexto sentido.
A partir de ahí, yo puedo decir que todo lo que ha hecho M. Night
Shyamalan hasta El
incidente, mantiene (y
supera) el nivel.
"Monstruos University": Nuestros personajes se hacen...¿jovenes?
Hace ya 12 años que “Monstruos S.A.” fue estrenada en
España, ¡12 años! El tiempo pasa volando y no nos damos cuenta que los niños y
niñas que fuimos a verlo por primera vez tendríamos más o menos 10 años. El
tiempo pasa y nos hacemos mayores,
adultos, maduros… pero nos sigue encantando la animación y por ello cuando nos llegó la noticia de una posible secuela de “Monstruos S.A.” nos pusimos a dar saltos
como locos. Ver a Mike y a Sully mayores, encontrándose con una Bu ya
adolescente… pero no ha sido así. Los creadores se han decantado por una
precuela, que raro ¿no? En un mundo audiovisual donde siempre las productoras
tienden hacer más y más de lo mismo pero siempre hacia delante, ¿por qué hacer
una película sobre el pasado de Mike y Sully? La respuesta es clara, mientras
que la primera iba dirigida a los pequeños, para romper el mito del monstruo
tras el armario, esta nueva película va dirigida aquellas pequeñas personas que
vieron la primera; si las cuentas no salen mal, todos ellos estarán en la
universidad, por lo tanto se produce una relación de simpatía al ver a tus
personajes favoritos en una situación parecida a la tuya.EL CINE DE LA GUERRA MODERNA
HIMAR
R. AFONSO
Cuando
en La noche más oscura
(Zero Dark Thirty, 2012), de Kathryn Bigelow, la agente de la CIA
Maya confirma la identidad de Osama Bin Laden, parece que sobre el
papel se escribe el final de una guerra fantasma, secreta y oscura;
sin embargo, el film no deja esa sensación y, muy al contrario,
demuestra voluntariamente
una falta de respuestas muy crítica en cuanto a los motivos de las
acciones emprendidas y una incertidumbre consciente en relación a
cualquier pregunta que sugiera el término de la contienda.
Lo que se puede decir tras eliminar al número 1 de la lista negra de
Estados Unidos es que la guerra no ha terminado y no sabemos cuándo
va a terminar. ¿De qué guerra estamos hablando entonces?Richard Matheson: un camionero, una araña gigante y otras cosas terroríficas.
ÁLVARO TEJERO
En apenas 4 años nos han dejado tres
de los escritores de ciencia ficción más grandes del siglo XX, y con el paso
del tiempo no quedará ninguna duda, de
toda la historia. Ayer
le tocó el turno a Richard Matheson. De los tres escritores, Ballard y Bradbury
son los otros dos, Matheson es el que estuvo más ligado al medio
cinematográfico al adaptar muchas de sus obras al cine. Esto le permitió poder
controlar más sus obras e intentar que el espíritu que impregnaban sus páginas
quedara intacto; pero sin olvidar las particularidades del cine y su propia
narrativa. Sin está capacidad para adaptarse a diferentes medios sus obras no
hubieran alcanzado tal calidad.
No soy un experto en la literatura de
ciencia ficción ni voy a engañar presumiendo de haber leído la mayor parte de
su obra. Mi relación con Matheson es puramente audiovisual. Pero si que uno de
mis primeros recuerdos cinematográficos va unido a su nombre. Se trata de
“Duel”, la obra que lanzó a Steven Spielberg en su imparable carrera hacia el
éxito y que aun hoy sigue siendo una de las obras maestras del director de E.T.VEINTE AÑOS ATRAPADOS EN EL TIEMPO
HUGO MUGNAI
La Real Academia define el concepto de “tiempo” como la “magnitud física que permite ordenar la secuencia de los sucesos, estableciendo un pasado, un presente y un futuro.” Aún no se conoce la existencia de viajes en el tiempo (o casi), pero eso no significa que el cine no los hay...
Si
pudiéramos viajar veinte años atrás podríamos asistir a la
reelección de Felipe González como presidente, podríamos jugar durante horas al
primer videojuego de Sony o incluso conducir el primer modelo de Opel Astra.
Tal vez no sean los mejores planes posibles teniendo en cuenta que podemos
viajar en el tiempo, pero lo cierto es que hay algo que no podríamos dejar
pasar: asistir al estreno de “Atrapado en el tiempo”.
Y
es que un 25 de junio de 1993 se estrenó en los cines de todo el mundo esta
genial comedia dirigida por Harold Ramis y basada en una historia de Danny
Rubin. Por si algún despistado aún no la ha visto (Dios no lo quiera), aquí os
dejamos una pequeña descomposición de su sencilla pero genial historia y su
relación con ese extraño concepto que es el
tiempo.
“EL HOMBRE DE ACERO”, UN SUEÑO IMPOSIBLE
HIMAR
R. AFONSO
La
adaptación contemporánea que Nolan ha querido hacer del superhéroe
más famoso de todos los tiempos se ha preocupado, al igual que
Batman, por acercar su universo fantástico al nuestro, haciendo de
este “hombre de acero” algo más tangible, más verosímil.
Para
ello, en primer lugar, se han gastado unos 200 millones -como va
siendo habitual en las superproducciones que, lejos de agotarse, se
multiplican como conejos- de manera que ya no tenemos que esforzarnos
en imaginarnos que la ciudad se está destruyendo, que Kal-El está
volando o que hay naves extraterrestres. A parte de los inagotables
recursos económicos (que vuelven a ser la única baza de estos
blockbusters), la película ha tratado de cimentarse en una
idea sencilla con la que intentan conectar nuestro mundo con el
universo DC-Nolan: ¿está el mundo preparado para alguien así? De
esta manera, durante cierto tiempo crean una doble expectación: por
un lado, esperar a que Clark Kent se decida a ser quien está
predestinado a ser y, por el otro, ver la reacción del mundo ante
este dios.
AQUÍ NO SE ESTRENO...TEXAS KILLING FIELDS
ÁLVARO TEJERO
Hay
películas condenadas al anonimato, no ya al fracaso, desde su nacimiento. Ser
hija de un gran director siempre
infravalorado por su condición clásica a la hora de contar historias y por la
elección de un género que no cuenta con el respeto suficiente como es el
thriller, puede ayudar a que te financien tu obra pero no a su difusión.
Además, te presentas a la sección oficial de un festival como Venecia, dónde
siempre triunfará cualquier película exótica antes que una película que cuente
una historia.
 |
| Los Mann: padre e hija |
Así,
Ami Canaan Mann ofrece una película invisible a pesar de ser una de las mejores
cintas de 2011 y un thriller de gran
potencia temática y emocional. Rodada de forma elegante y sugerente, con un
gran casting inmejorablemente dirigido y unas escenas de acción que llevan la
firma del apellido Mann sin ninguna duda. Amy demuestra ser hija de quién es
(el mejor realizador de escenas de acción del que habló hace poco mi compañero
Himar) pero con un mayor toque de sensibilidad.
Texas Killing Fields (basada en hechos reales) se centra en una pareja de
detectives de carácter opuesto que investiga una serie de asesinatos de jóvenes
mujeres en los alrededores de Texas City. Sam Worthinton vuelve a demostrar su
fuerte presencia ante la cámara y Jeffrey Dean Morgan (alias el Comediante)
llena de matices un personaje pleno de dudas interiores. Están acompañados de la
ya estrella Chlöe Grace Moretz y la bella Jessica Chastain, que aquí vuelve a coincidir
con Sam tras La deuda. No quiero
olvidar al siempre amenazador Al Capone de Boardwalk
Empire.
A
pesar de un argumento que muchos calificarían de tópico la directora y el guión
se empeñan en alejarse de los tics de cualquier thriller al uso. Son varias las ocasiones en las que podrían haber
cedido pero Ami Canaan Mann frena continuamente el ritmo de la película, no
deja que explote gratuitamente y deja que la maldad triunfe y muera por sí
misma; dejando al bien como un elemento que lo único que puede hacer es no
dejar de luchar pero sin poder alterar realmente la situación. Si bien esto
provoca que se olviden algunas tramas en detrimento de los personajes y los
temas.
Se
muestra la cotidianeidad, es minuciosa en
la descripción del trabajo policial, ofreciendo un verdadero realismo hasta en
las impresionantes y cortas escenas de acción física. Es un thriller sensorial, incómodo, que bordea
el terror en ocasiones. Sientes la humedad de los pantanos, el sudor de los
personajes, los mosquitos que no paran de molestar. Y por supuesto, la noche,
como un elemento con vida propia al igual que en las cintas de Mann padre.
Personajes
solitarios y perdidos, el sacrificio frente a la pasividad, el fin de la
inocencia y la maldad como parte inherente del ser humano frente a cierta bondad
religiosa llena de simbolismos que no pertenece a un lugar oscuro.
"HIJO DE CAÍN", UN VÁSTAGO FALLIDO
HIMAR
R. AFONSO
Jesús
Monllaó Plana debuta en la gran pantalla con una prometedora
producción basada en la novela de Ignacio García-Valiño, una
película que pone su base en una cuestión bastante presente en
España y que ya abordó, desde otra perspectiva, en su cortometraje
Gloria
(2002), protagonizado por Joan Dalmau.
El
corto hablaba con cierta retórica del progresivo distanciamiento de
padres e hijos en el momento en que los primeros se van acercando al
fin de sus días, con todo
el deterioro que ello conlleva. Finalmente se convierte en una mirada
subjetiva del propio mundo de ese anciano incomprendido frente a la
conmoción de su hija, ya adulta y con responsabilidades, que se
siente tan alejada de su padre y que le cuesta tanto entenderle. Hijo
de Caín, por su
parte, plantea ese distanciamiento en otro momento: la adolescencia.
Digamos que se sirve de esta ambigua y poco concreta base, para
alejarse de ella tan pronto como pueda.
Lo
cierto es que desde los
primeros minutos se puede intuir sin demasiada lucidez que la
historia no va de un chico con problemas sociales
que necesita de un psicólogo moderno e involucrado que “se salta”
las normas para acceder (con asombrosa facilidad, dicho sea de paso)
al interior de ese complejo adolescente, ganándose su confianza en
menos de lo que tarda un perro en coger la pelota. Pero aunque no
vaya de eso, el personaje del psicólogo se construye con esa
“chispa” tan liberal y tan inverosímil. Lo
incomprensible de todo es el giro radical que toma la película en lo
que se refiere a la trama en términos de género, en un intento por
sorprender gratamente con un thriller de suspense que aparentaba, en
un principio, ser un drama familiar. Pues bien: la sorpresa no es
grata, ni mucho menos, y tampoco resulta impredecible dado el guión
de manual que
proponen, la falta de credibilidad de los diálogos y la cantidad de
sinsentidos que, se supone,
deben sostener la historia, como por ejemplo, la repentina
transformación del psicólogo en detective privado y la seguridad
que tenía el crío de que su malévolo y sofisticado engaño saldría
a la perfección, todo ello impulsado por unas motivaciones nada
claras (por supuesto, se recurre a la razón ventajista de que
estamos tratando con un psicópata). Más
allá del gran desatino de reducir la reflexión sobre la educación
y la sociabilidad a un asunto personal de competitividad
(decorado con tintes siniestros y con un panorama de vida posmoderna
y burguesa), diría que el
problema de base de Hijo
de Caín está en la
falta de ritmo y de trabajo puramente de dirección,
imprescindible para contar una historia y más cuando su guión
flaquea en todas sus capas. Un claro ejemplo es la poca fluidez de
los diálogos o las propias interpretaciones, más que forzadas,
incluso en José Coronado, que solo maquilla su trabajo con esa
mirada final con la que expresa todo.
Una
obra que no ha sido mal vendida, que tiene un punto de giro final
curioso, pero que se torna innecesaria e ingrata en todos los
sentidos.
ÚLTIMA JORNADA DE NOCTURNA
DIEGO REAL
Todo lo bueno termina, y este nuevo y genial festival
también tenía que hacerlo y para ello tenía que hacerlo con una gran traca
final, y esta era lo nuevo de James Wan: The
Conjuring. Por desgracia, y debido a la dictadura de Warner, no se puede
hacer ningún tipo de crítica a la peli (parece ser que primero tienen que dar
su opinión los americanos). Pues nada, por esa gilipollez, no haré la crítica
ni el día de su estreno y no comentaré nada sobre la misma. Para radical yo.
Antes de ver lo nuevo del pequeño director malasio, tuve
la oportunidad de ver Berserk II y la verdad es que no tengo
ni idea de porqué ya que no tenía ni puñertera idea sobre de qué iba este
anime. Y bueno, la animación es una obra de arte, las batallas sangrientas y
espectaculares y resulta entretenida. Lo negativo es que no deja de ser un
mojabragas fácil para otakus (esas escenitas medio hentais) y la obra resulta
una engañifa, puesto que al ser parte de una saga, no tiene conclusión. Pero la
verdad es que me ha convencido ya hora tengo ganas de disfrutar de ella.
Acto seguido comenzó la entrega de premios, la cual dejó
las siguientes ganadoras:
Mejor película (Nocturna Oficial Fantástico): 'Wither'.
Mejor película (Nocturna Dark Visions): 'Resolution'.
Mejor película (Nocturna Madness): 'A Little Bit Zombie'.
Premio especial del público: 'I am a Ghost'.
Mejor BSO: 'Insensibles'.
Mejores efectos especiales: 'Wither'.
Mejor fotografía: 'Forgotten'.
Mejor guión: 'Jug Face'.
Mejor interpretación: Lauren Ashley Carter, por 'Jug Face'.
Mejor director: Sonny Laguna y Tommy Wiklund. por 'Wither'.
Mejor cortometraje nacional: 'Human Core'.
Mejor cortometraje internacional: ex aequo para 'L'Heritage' y 'Death of a Shadow'.
Exacto, la aburrida Wither fue la triunfadora. Los pitos
del público durante al acto lo dijeron todo.
Pese a que no puedo decir nada de la de Wan, sí puedo
hacerlo del broche de oro del festival. La película que más me ha sorprendido: Dark Skies del director Scott Stewart,
director de El sicario de Dios y Legión que con este film de
extraterrestres, ha firmado su mejor obra.
Dark
Skies, nos muestra una pequeña invasión OVNI. Una invasión que
no pretende destruir grandes ciudades si no destruir una familia americana ya desequilibrada
de por si, dando una vuelta de tuerca a los perfectos americanos que se
enfrentan a la amenaza externa que tan de moda se puso en plena Guerra Fría.
Aquí están jodidos y los extraterrestres son un detonante para entrar en una
progresiva decadencia que se nos muestra de manera excelente debido a un guión
brillante.
Ay quién dice que esta película es un episodio perdido de
Expediente X, pero no es malo.
También recuerda a Encuentros en la
Tercera Fase o incluso a Polstergesit,
pero la película se nos muestra con tal elegancia y desnudez que hace que estas
referencias no molesten. Lo dicho, una pequeña película para recordar.
Eficiente y con estilo.
Hasta aquí el Nocturna, festival recién nacido y con
futuro. Eso sí, los nervios de la primera edición no les han hecho ser más
gamberros y tomarse menos en serio la propuesta.
CUARTO Y QUINTO DÍA DE NOCTURNA
DIEGO REAL
Las jornadas del jueves y
viernes hasta ahora me han parecido de las más interesantes: giallo, la vuelta
de Snipes, comedietas…
El jueves (¡por fin!) tuve
la oportunidad de ver una de las joyas del festival: Gallowwalkers, la vuelta al cine de Wesley Snipes, o al menos así
nos lo venden. En realidad, la película se hizo justo antes de que este entrara
en prisión y su estreno ha coincidido con la puesta en libertad del actor
afroamericano.
La película, un western con
tintes de cómics, venganza y seres de ultratumba de por medio me ha resultado
divertidísima (de hecho me ha gustado más que Django Desencadenado). Snipes ha vuelto en forma decapitando unos
seres a cada cual más estrafalario y ridículo, ya que los villanos en cuestión solo tienen
una función en la cinta: lucir de manera rocambolesca y morir de manera
espectacular. Hay muchos planos que resultan muy interesantes y alguna idea que
incluso me ha llegado a recordar a El
Topo de Jodorowsky. Lo dicho, un film de acción sobrenatural muy potable y
digno.
Acto seguido vi la comedia
holandesa sobre zombies Zombibi (Kill
Zombie!). La película cumple, entretiene y no aporta nada nuevo. Tiene
alguna idea francamente divertida, en especial las que hacen referencias a
videojuegos, aunque algunos chistes resultan demasiado facilones. Un último
apunte, Zombibi hubiera sido más espectacular
si se hubiera optado por la sangre en vez de los mocos verdes pese a todo es
recomendable.
El jueves comenzó con Forgotten, película que da una vuelta de
tuerca a las películas de niñas
fantasmas. La película crea una atmósfera
cojonuda que te mantiene sentado en el asiento pensado que ha podido pasar
entre las dos protagonistas, dos jóvenes que se reencuentran y tienen mucho que
ocultar. El metraje avanza y empiezan a alargar la tensión tanto que termina
por no haber tensión. El final es sin duda lo peor, ya que lo alarga de tal
manera que nos ofrece dos epílogos ridículos y que ensombrecen lo anterior. Una
pena porque la película es la que más me estaba gustando, hasta que llegó Tulpa, el culmen absoluto.
Tulpa es un film italiano
que retoma el giallo en su vertiente más clásica: un asesino enmascarado
comienza a asesinar a los clientes de una prostituta de lujo que además es una
reputada (je,je) mujer de negocios. Lo curioso está en dicho burdel, una
especie de santuario New Age regentado por una especie de sacerdote con aspecto
de Sandro Rey. Las situaciones en la película son tan disparatadas que parecen
sacadas de un cómic pulp (la escena en la que la protagonista huye de una
culturista con una katana es antológica). Todo esto aderezado de un gore solvente
y de tetas. Yo no puedo pedir más. Tulpa
es una gran sorpresa.
Wither
sin embargo fue un bajonazo. Es una copia casi idéntica de Evil Dead solo que al ser sueca tenía la ventaja o el inconveniente
de que todos los personajes eran guapísimos por lo que no sabías cuando iba a
morir cada uno. Debido a las situaciones gilipollescas (no huyen de la casa
porque fuera llueve) y a algunas interpretaciones ridículas, el film divierte
en su primer parte pero despúes aburre ya que solo ofrece la fórmula amigo
endemoniado capullo que aparece, amigo endemoniado capullo que tienes que
matar. Una pena, porque el gore no estaba nada mal.
El broche de la noche fue La matanza de Texas 3D, una secuela
directa de la primera que se pasa por el forro todas las secuelas y, porque no
decirlo, también la primera. Para empezar, si el film transcurre unos veinte
años después de los actos de la primera, deberían estar a principios de los
noventa, pero utilizan smartphones, ropa actual y la música es contemporánea. Si
no tenemos en cuenta esto estamos ante una película que cumple pero que nada
tiene que ver con La matanza de Texas
clásica y que solo utiliza la baza de Leatherface como icono pop y como este se
ha convertido en el emblema de la saga, aunque aquí lo lleven más allá y
termine siendo el héroe de la función. Por último, decir que el 3D es malo de
cojones salvando dos escenas. Una pena, ya que podía haber sido mucho más (al
menos la moza protagonista está tremenda).
 |
| La hipnótica Alexandra Daddario |
Pronto, el balance final del
festival. ¡Nos vemos pronto!
SEGUNDO Y TERCER DÍA DE NOCTURNA
DIEGO REAL
Hoy toca la crónica del
martes y el miércoles, allá vamos…
La velada del martes fue de
descanso y decidí ver solo una película…y que PELÍCULÓN. Me refiero a El huerto del Francés del gran Paul Naschy,
que narra la historia del psychokiller real Juan Aldije. Para el que no lo
sepa, la expresión “llevarte al huerto” no tiene connotaciones sexuales, si no
que viene de este suceso. Un señor que regentaba una casa de juegos y mujeres
de vida alegre, que no solo te desplumaba, si no que te abría la cabeza
directamente.
La película, que no está
editada, ha sido uno de los lujazos que se han podido ver en este magnífico
festival. Estamos ante un film desnudo, inquietante, sobrio y elegante. Naschy
además de director es protagonista y nos brinda una suculenta y ambigua
interpretación que hace que por momentos el asesino se convierta en una especie
de antihéroe pícaro. La réplica femenina es sencillamente sublime: María José
Cantudo, Julia, Saly, Silvia Tortosa y sobre todo Ágata Lys están magistrales y
tremendamente guapas.
El huerto del francés
además juega con la mezcla de géneros con algunos momentos de humor memorables,
como el enano travestido o las escenas del homosexual. La escena final es de
esas que te quitan la respiración con ese “Francés” altivo soltándole al
verdugo que le apriete bien cuando le agarrote y dando paso a su muerte
acompañado por el tema principal de Rosa León. Formidable y difícilmente
olvidable.
La jornada del miércoles la
comencé con One Way Trip 3D, la cual
me llamaba poderosamente la atención por su insólita mezcla: slasher suizo +
setas alucinógenas + 3D. El resultado, por desgracias, ha sido un tanto decepcionante.
La película cumple pero es tremendamente engañosa ya que no hay apenas drogas y si te descuidas ni 3D, porque debido
a la poca mala leche que gasta, el 3D es innecesario por completo. Y es una
pena porque los primeros momentos de delirios bajo los efectos de las drogas
auguraban algo muy original y divertido. Al final la cosa se queda en nada.
Pero la gran cita era con la
película española Omnívoros. La películas
con la comida como elemento central son repugnantes, ahí está el caso de La gran comilona, El cocinero, el ladrón, su
mujer y su amante (que ha inspirado a
Omnívoros) o Ratatouille, porque que no me vengan con
monsergas, es una puñetera rata de alcantarilla cocinera. La película es
además una de esas reflexiones sobre la amoralidad de los ricos. Si Eyes Wide Shut lo era en cuanto al sexo
y A Serbian Film sobre el cine, esta
versa sobre lo culinario y la alta cocina, ya que los pLAtos a degustar son
nada más y nada menos que de carne humana.
Estamos ante película
interesante, que crea una cierta inquietud y que funciona, siendo entretenida.
Los actores cumplen bastante bien, en especial el asesino en cuestión cuanto
menos inquietante, aunque alguna actuación femenina chirría por “telenovelera”.
La música es ratonera e irritante, quizás lo peor por no hablar del mascado del
final y de algún recursito más que visto.
Por último, mi reflexión de
siempre: Los pijos ricachones no tienen escrúpulos en canibalizar a cualquiera
solo por satisfacerse y me ha servido para reflexionar sobre la verdadera
naturaleza de este film puesto que también es censurable el cineasta adinerado
que con tal de satisfacer su ego y llevar a cabo su obra “canibaliza” sin pudor
otras películas. Y esto es quizás lo que haga en cierta parte la película, ya
que huele a “terror pijo” hecho por pijos y para pijos.
En mi próxima crónica, entre
otras, analizaré la vuelta al cine de Wesley Snipes ¡Hasta la próxima!
PRENOCTURNA Y PRIMER DIA DE NOCTURNA
DIEGO REAL
¡POR FIN UN FESTIVAL DE CINE FANTÁSTICO Y DE TERROR EN MADRID! ¡POR FIN HA LLEGADO NOCTURNA!
El festival dio el
pistoletazo de salida en la fantástica sala Artistic Metropol con la proyección
de cuatro películas entre las que destaco la trilogía Tetsuo y más concretamente su primera parte. Para todo aquel que no
haya visto esta genial película de 1988 dirigida por el gran Shinya Tsukamoto,
decirle que se encuentra ante una pieza única. Una película que lleva la
clásica batalla de robots japoneses a un nivel metafísico y kafkiano en el que
el hombre no involuciona, evoluciona hasta tal punto que se convierte en un
monstruo peor que una cucaracha, un objeto. Con una fotografía fascinante en
lanco y negro, un montaje endiablado y una banda sonora infernal, estamos ante
uno de las mejor aproximaciones al cyber punk (ojo porque había incluso algún
cateto en la sala que llegó a decir que la peli estaba basada en Matrix).
El segundo día se presentó
la exposición, de vista obligada, sobre el genial artista pulp José Luis
Macías. Además de presentarse el cuarto número de uno de los mejores fanzines
de subgéneros de nuestro país: Exhumed Movies, el cual recomiendo encarecidamente.
Una velada que fue más una conversación de amigos porque si algo tienen los
artistas de estos ámbitos es que son tan geniales como humildes (cuanto les
queda por aprender a muchos).
Pero entramos en materia,
este lunes día 3 arrancaba oficialmente el festival Nocturna con la
presentación ante la prensa de un
festival que se ha llevado a cabo sin subvención y que merece tener todo el
éxito del mundo. Gracias a esta primera velada he podido disfrutar de dos
películas: Easton´s article y la nueva
de Silent Hill, en que ha contado con
la presencia de su productor Samuel Hadida, que ha sido premiado por su
carrera. Ambas películas, estaban precedidas con sendos cortometrajes españoles
que solo derrochan medios y que cuyos actores nos brindan una interpretaciones
teatrales, irreales y encorsetadas.
Easton´s Article
me pareció una de las propuestas más interesantes del festival y me ha
decepcionado. Pese a ser una película de “ciencia ficción” sobria, aceptable y
con un aroma a otras producciones independientes como Primer o Take Shalter, el
principal problema es que no innova, no quiere arriesgar. Aunque quizás este
sea su cometido, alejarse de la pajas mentales y ofrecernos algo sencillo. De
todas formas los fallos de ritmo y su protagonista, un pelirrojo con cara de
palo, tampoco ayudan. Aceptable sin más.
Con un material excelente,
los creadores de esta película se han encargado de violar, humillar y orinar
encima de todos los juegos y de nosotros, los fans. Si una de las cosas más
geniales de la saga es lo fiel que es a su propio universo, en la película se
utilizan personajes, escenarios y monstruos de manera aleatoria, compartiendo
muchas veces el nombre y poco más. Supuestamente se basa en Silent Hill 3, pero podría también
podrían decir que está basado en el Tetris, que hubiera sido igual. Por
ejemplo, Vicent en la película es el noviete adolescente de Heather y demás te
lo ponen como familiar de otro personaje que no desvelaré por si alguien quiere
ver la película en alguna especie de práctica masoquista. El pobre Douglas es
masacrado real y metafóricamente y su papel bien se lo podría haber ahorrado.
Pero a esta panda de miserables poco le importa respetar un producto tan bueno.
Y qué decir de los monstruos,
utilizados sin ningún tipo de sentido. El pobre Pyramid Head se ha convertido
en una especie de héroe salvador de la protagonista. Ni representación del falo
ni leches, aquí es un tipo fuerte con una movida en la cabeza. Si no respetan
eso imaginaos como será el resto. Parece que han cogido un catálogo de todas
las criaturas del universo Silent Hill y las hubiera elegido por su apariencia
y ya está. Aunque a veces se inventan unos seres completamente mierderos más
propios de una secuela de Hellraiser.
Ni si quiera el pueblo es
fiel. Silent Hill podría haberse llamado Valverde del Fresno o Torre-Pacheco.
El pueblo tarda en salir y cuando lo hace es meramente anecdótico. Los momentos
de terror se viven dentro y fuera de él, sin la justificación que por ejemplo
tenía Silent Hill 4: The Room, en la
que el pueblo te seguía a ti.
La trama, es totalmente
inexistente y ridícula. Tan solo sirven para pegar con el peor de las colas de
los veinte duros, unas escenas supuestamente terroríficas que se quedan en un
intento de asustar o de provocar un mínimo sentimiento. Y es que incluso aquí
traiciona el espíritu del juego. Mientras la saga de Konami crea una atmósfera
perturbadora y malrollera, como ellos mismos se encargan de avisar al principio
de cada juego, aquí utiliza el susto fácil, extremadamente fácil, tonto de
cojones, vamos. Si te provoca un solo salto de la silla es porque quizás te has
quedado dormido soportando esta insoportable hez y te has despertado con algún
berrido de alguno de los cenobitas retrasados que aparecen en la película.
Los actores tampoco se
salvan de la quema. Adelaine Clemens, que parece la hermanica tonta de Michelle
Williams, tiene la misma capacidad narrativa que [insértese aquí cualquier
objeto inanimado, cualquiera sirve]. Kit Harington no se cómo lo hará en Juego
de Tronos, pero como su interpretación sea tan penosa, confirmo que jamás veré
este nuevo boom televisivo (ojo, que hasta hacen un guiño a la misma en la
película, más sonrojante que otra cosa). Y es que hasta sale el pobre Malcolm
McDowell haciendo el ridículo y consolidándose como una prostituta del cine que
se vende al mejor postor, sin importar que haga mierdas que ensombrezcan su
carrera anterior (La Naranja Mecánica
y ya, seamos sinceros).
En cuanto al 3D no solo no
es mareante e innecesario además, narrativamente está utilizado con un
mongolismo y una poca elegancia digna de un simulador de una feria de pueblo.
Otro punto negativo para este espanto.
El mayor miedo tras ver esta
aberración es que una mala película puede infectar a su juego original. Resident Evi acabó convirtiéndose en una
saga de acción más propia de las pelis de Jovovich que del terror de sus
primeros juegos. El Silent Hill
Homecoming, el peor de todos, es el resultado de mezclar la primera peli
con la saga Saw.
Tras esta humillación al ver
esto se me vienen a la cabeza una duda: ¿quiénes son los verdaderos culpables
de estas adaptaciones bochornosas? ¿Los de Hollywood que solo quieren explotar
la gallina de los huevos de oro?¿Los creadores del juego que solo buscan captar
gamers como sea?¿O son los fanas, que pese a que les dan mierda ellos lo consumirán
y aplaudirán como focas tras darle un pescado?
El festival tiene una pinta
excelente y se ha desarrollado con normalidad (salvo por el incidente de la
película Meteletsa. Pero quiero poner
un pequeño pero. Pese a que se han acordado de Jess Franco en la gala
inaugural, el vídeo homenaje ha sido para Harryhausen. Esto nos demuestra que
pese a que muchos sigan reivindicando la obra de Jess, parece que en nuestro
país aún está mal visto hacerle un homenaje. Una lástima.
Mañana más y mejor.
FIN DEL COMUNICADO.
50 años de "La Pantera Rosa"
Néstor Sánchez
Si echamos la vista hacia atrás,
muy hacia atrás nos encontraremos un año muy especial, 1963. Y no porque
nacieran muchas personas famosas (Mirar Wikipedia) sino porque nació un mito,
una joya, una carcajada y un animal. Hace 50 años Blake Edwards consiguió
reunir a estos cuatro elementos para dar a luz a una de las grandes películas
del humor de antes y de ahora, “LA PANTERA ROSA”. Para dejar claro que es cada
cosa los definiremos uno a uno.
- - Mito: Gracias al film el gran actor Peter Sellers fue reconocido internacionalmente, a través de su papel como Jacques Clouseau. Ese detective tan carismático que nadie quisiera tener como vecino, consiguió resolver uno de los casos de robo más misteriosos de la historia del cine. Gracias a su estilo inconfundible y a su testaruda cabezota atrapó al ladrón y consiguió recuperar la…
- - Joya: este diamante embruto, de color rosado y brillante como el sol, es el verdadero protagonista de la película. Será el encargado de atraer la atención del ladrón, y éste, a su vez, la atención del detective. Este relación gato-ratón entre todos los protagonistas, harán que pasemos un buen rato, y que más de una vez soltemos alguna…
- - Carcajada: está claro que su estilo vodevil, lleno de gags de situación, no es nuevo, no estamos ante una reinvención del humor, lo que le hace a esta película especial es la capacidad que tiene de mostrarnos una y otra vez situaciones muy parecidas y que sigan haciéndote reir sin parar. Su nivel de risas es tan elevado, que hasta durante los títulos de crédito te ríes, y eso que solo sale un…
- - Animal: sin duda este elemento es el más recordado de todos y el más manido (se llegó hacer una serie de él). Aunque en un principio el nombre de “Pantera Rosa” hacía referencia a la joya, se lo acabó adueñando este simpático animal salvaje.
Como acabáis de ver estos cuatro
elementos están fuertemente enlazados y sin ninguno de ellos hubiera sido
posible hacer el film, y si investigamos un poco más, descubrimos que los cuatro aparecieron por
pura suerte.
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Para el papel de Jacques Clouseau
se pensó en otro actor: Peter Ustinov, pero éste dejo el rodaje nada más
empezar. La película iba a ser una comedia elegante de robos, pero cuando se
presentó Peter Sellers como posible Jacques Clouseau, el film dio un giro de
180 grados, hasta apuntar hacia un estilo más vodevil disparatado. La película
se centraría 100% en las meteduras de pata del detective francés más torpe de
la historia del cine.
La película tuvo una gran acogida
y fue éxito en taquilla, pero lo que más se recuerda de ella es la simpática
pantera de color rosa que salía durante los créditos iniciales. El director,
Blake Edwards, encargó al animador Friz Freleng (creador de casi todos los
personajes de los Looney Tunes) la creación de un dibujo animado que tuviera
estas tres características: que fuera graciosa, muda y de color rosa. Y así es
como nació “La Pantera Rosa”. Tras ello este dibujo animado ha tenido diversas
apariciones en cine y en televisión, hasta se creo una serie para el animal.
Tras este sublime film del mejor
humor de Peter Sellers, le siguieron una serie de secuelas, a cada cual más
mala. Algunas oficiales, en las que el actor protagonista representaba el mismo
papel, y otras donde se prescindió de él y se decantaron por poner a otro que
no llegaba al mismo nivel. Tras la muerte de Peter Sellers se realizó una
película donde se recogían todas las escenas de sus anteriores películas como homenaje
a su personaje y su persona. Años más tarde tendríamos en nuestras salas
secuelas (donde salía Roberto Benigni como hijo de Jacques Clouseau) y nefastos remakes (protagonizadas por
Steve Martin).
Como vemos la leyenda del
detective fue perdiéndose y destrozándose a lo largo del tiempo, fueron humillándola
y hundiéndola, hasta llegar al remake que hoy en día tenemos. Pero no por ello,
nos olvidaremos de este gran film, que hace 50 años comenzó a regalar risas y
hasta hoy en día seguimos riéndonos sin parar al ver a Peter Sellers metiendo
la pata. Desde el Día del Espectador levantamos la copa y brindamos por otros
50 años de risas y enviamos nuestras felicitaciones a Peter Sellers, allá donde
esté. Gracias
