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Hace 5 meses
Archive for septiembre 2013
La lucha de sexos en LAS BRUJAS DE ZUGARRAMURDI
Después de
que su última película pasase desapercibida, Álex de la Iglesia vuelve a lo
grande con una película sobre hombres, mujeres y brujas. Construida alrededor
del tema brujeril, el filme habla sobre cómo hombres y mujeres nos relacionamos
y qué pensamos los unos de las otras. Ya desde los créditos iniciales, en los
que se intercalan imágenes de Margaret Thatcher o Angela Merkel entre
representaciones medievales de brujas, se aviva la idea de que la mujer puede
tener algo arcano, misterioso y perverso en su interior. Se entiende a la mujer
cómo una criatura compleja, capaz de ver cosas que los hombres no pueden. Todo
esto visto desde el prisma masculino que, temeroso, decide dotarla de un halo
demoníaco y perseguirla. Éste es el tema que utiliza el director bilbaíno para
plantear de una forma divertida el tema de la guerra de sexos.
 |
| Ridiculizar al género masculino es una de las armas en la lucha de sexos. |
En Las brujas de Zugarramurdi se presenta de
maneras directas o alegóricas a la mujer como ente que consume al hombre hasta
que ya no queda nada. Por un lado los personajes masculinos lo expresan
directamente, como cuando Pepón Nieto compara a las mujeres con arañas que
tejen una tela confortable para, acto seguido, envenenarte con su ponzoña. Por
otro lado, para que las mujeres puedan prevalecer definitivamente es necesario
que una monstruosa mujer digiera literalmente a un hombre (al niño) para
quitarle sus defectos masculinos. De un modo u otro la mujer ejerce un poder
sobre el hombre, el cual es incapaz de defenderse (véase cómo “crucifican” a
los protagonistas). Para los hombres, en cambio, las mujeres no son más que
problemas, hay que dejarlas antes de que la relación derive (de que te envenenen).
La relación que tienen Hugo Silva y Macarena Gómez representa la lucha de sexos
más típica de la sociedad moderna: la de los ex que se pelean por sus hijos.
Silva intenta durante toda la película no discutir con su ex, intenta ser
conciliador y evitar confrontaciones. Pero la magia de la narración hace que
ella acabe convirtiéndose en bruja, dándole a él una excusa para el
enfrentamiento directo.
 |
| Carolina Bang juega con la comida. |
La construcción de los personajes es otro
elemento que refuerza la guerra de sexos. Los hombres son todos unos
inadaptados, zoquetes o inútiles. El único hombre al que las brujas permiten
estar cerca es a Enrique Villén, que interpreta a un retrasado mental como el
típico redneck de Deliverance (John Boorman, 1972). Y
entre el grupo protagonista el único que parece medianamente inteligente es
Hugo Silva, pero sólo hay que ver al personaje de Mario Casas para ver cómo son
los hombres según de la Iglesia. Las mujeres, en cambio, son poderosas, altivas
e inteligentes. Lo es Carmen Maura, líder de las brujas, así como su madre
Terele Pávez o su hija Carolina Bang. Pero aun así los hombres tienen sus
formas de plantar cara a las mujeres-brujas. Lo más interesante es que aunque
en un primer momento parece que la batalla la gana el sexo masculino, unos
pocos diálogos al final indican que sólo ha habido un empate y que esta lucha
ancestral seguirá por siempre.
Temática
aparte, Álex de la Iglesia consigue una película bien construida, con una
estética interesante y factura excelente. A su favor tiene un elenco
enormemente divertido, con una mención especial a Jaime Ordóñez, que poco a poco
va ganándose el lugar que se merece en el cine español; y una llamada de
atención a Mario Casas, que está fantástico en su papel de descerebrado
madrileño. También es muy interesante ver, en los tiempos que corren, como una
película española se arriesga tanto con los efectos espaciales. Puede parecer
que sólo Bayona conseguiría unos efectos sobresalientes, pero de la Iglesia
consigue que su monstruo final esté muy logrado, tanto en diseño como en
animación. En contra tiene que su último tercio se ralentiza y pierde fuelle,
centrándose más en una espectacularidad que podría haber dejado de lado a favor
de más humor, que es sin duda lo mejor que tiene esta película.
Si os
gusta la lucha de sexos y la eterna rivalidad entre hombres y mujeres, entonces
esta es vuestra película. Si en cambio preferís ver al tándem Hugo
Silva-Carolina Bang o al dúo Santiago Segura-Carlos areces travestidos de
brujas, entonces también es vuestra película. ¡Demos las gracias a la madre
tierra!
NOTA: 7,5
La aventura de la KON-TIKI (1950-2012)
 |
| Mapa de la distancia que recorrió la Kon-Tiki a la deriva. |
 |
| Torstein (Jakob Oftebro) y Knut (Tobías Santelmann) pescan un tiburón. |
La
película, considerada una La vida de Pi
noruega, relata no sólo el extraordinario viaje, si no también las dificultades
para hacerlo posible y la personalidad de Heyerdahl. La comparación con la
cinta de Ang Lee es inevitable principalmente por una fotografía espectacular,
unos efectos especiales bastante conseguidos (teniendo en cuenta que Noruega no
es una potencia cinematográfica) y el poder de una gran historia. Los planos
que consiguen por un lado sus realizadores y por otro su director de fotografía
Geir Hartly Andreassen provocan la sensación en el espectador de que aquellos
hombres viajaron a una luminosa utopía de agua y criaturas extraordinarias.
Especialmente conseguida está la escena en la que un enorme tiburón ballena
merodea alrededor de la balsa porque consigue enmudecer al público y provoca
una mezcla entre fascinación y miedo realmente valiosa.
 |
| Thor (Pål Sverre Hagen) filma la Kon-Tiki en compañía de tiburones. |
A pesar de
tener una gran historia y unos efectos especiales a la altura de Hollywood, el
desarrollo de la película se queda flojo. Podríamos decir que se trata de una
película correcta sin más, visualmente singular pero que no es capaz de
convencer en ciertas partes, quizá debido a unas interpretaciones endebles o a
un tono que intenta imitar demasiado al cine de aventuras estadounidense. La
aventura noruega en los Oscars ya es historia: Amor se llevó el premio ampliamente y Kon-Tiki volvió a Noruga con las manos vacías. Y sin embargo, la
historia de Thor Heyerdahl ya le dio al país nórdico el primer Oscar (tiene
dos) de su cinematografía. Durante su travesía por el Pacífico, Heyerdahl llevó
consigo una cámara de 16mm con la que filmó la vida a bordo, dando lugar al
documental también llamado Kon-Tiki
(1950). En él, narrado por el propio aventurero, se puede ver cómo recogían
peces voladores extraviados, cómo pescaban peces delfín y tiburones y qué tal
sabía el plancton del que también se alimentaban. También se pueden ver
imágenes reales del encuentro con el tiburón ballena y, gracias a la ayuda de
un bote, de la propia balsa a la deriva por el océano. Tenemos la oportunidad de saber
cómo era una jornada en la balsa, que en días tranquilos les permitía estar
ociosos (uno construía una maqueta de la balsa, otro tocaba la guitarra, otro
cocinaba…) y en días tempestuosos les tenía trabajando las 24 horas para evitar
el naufragio. Heyerdahl aprovecha para explicar la historia de Tiki, un
personaje mitológico que para los peruanos navegó los mares y desapareció al
anochecer y que para los polinesios llegó al amanecer y es el padre de todos
ellos. El éxito de la travesía y del documental no sólo sirvieron a Thor
Heyerdahl para demostrar que no era un loco suicida, si no que también probó
que se podía realizar ese largo viaje en tan solo una balsa.
 |
| La balsa original se expone en el museo Kon-Tiki (Oslo). |
Dos
películas diferentes y una sola fascinación: los sueños locos dejan de serlo
cuando se logran. Thor Heyerdahl desafió al mundo con una empresa por muchos
considerada imposible y probablemente mortal. Su personalidad dio lugar a Kon-Tiki (1950) con gran éxito e inspiró
Kon-Tiki (2012), que en ausencia de
Haneke, se habría llevado el Oscar con total seguridad. Lo que está claro es que
con frecuencia la realidad más descabellada supera a la ficción más trabajada y
gracias a Thor Heyerdahl todos nos atrevemos a sentirnos más aventureros y más
curiosos sobre nuestro mundo.
NOTA: 7 (2012) y 9 (1950)
ASCENSO Y CAÍDA DE WALTER WHITE (SPOILERS)
@MARCOBARADA y HUGO
MUGNAI
All bad things must
come to an end. Breaking Bad toca
a su fin tras cinco trepidantes temporadas. El final de Walter White es
irrevocable y la tensión no podría ser mayor. Nos encontramos en el momento
clave de una de las series más veneradas de los últimos años (quizá la que más)
y con tan solo un capítulo por delante. Hagamos balance de cómo hemos llegado
hasta aquí.
JOBS, UN BIOPIC EVITABLE
HUGO MUGNAI
El género del biopic
(una película construida en torno a la vida de una celebridad) es con seguridad
uno de los más difíciles, pues seleccionar y narrar uno o más periodos de la
existencia de alguien y hacer con ellos un fiel retrato del personaje en
cuestión es todo un reto para el guionista. Si a esto le sumamos que el sujeto
es Steve Jobs, una de las figuras más célebres y idolatradas de las últimas
décadas el reto toma un cariz de casi heroicidad. Y es que hablar sobre un
personaje tan complejo como el desaparecido ex dueño de Apple probablemente
genere dos bandos muy marcados: los seguidores de la manzana y sus detractores
más acérrimos.
Partiendo de esta
premisa, crear un reflejo de este rebelde emprendedor, el apenas conocido
Joshua Michael Stern –con tan sólo dos mediocres films a sus espaldas-, decide
dirigir lo que a todas luces es un intento fallido de aprovechar el tirón de la
marca informática más famosa y el fallecimiento de su creador para arrastrar a
todo sus seguidores a las salas.
La historia nos
presenta a un joven Steve Jobs recién expulsado de su universidad. Se trata de
un tipo solitario, casanova, muy interesado por la innovación informática y que
siempre va descalzo. Al conocer el invento de su compañero Wozniak, Steve se da
cuenta de que las posibilidades de los ordenadores personales aún están por
explotar, y junto a ‘Woz’ y otros cuatro amigos, ponen en marcha Apple
Computers, una empresa informática en el garaje de su casa. La carrera de Steve
apenas acaba de empezar.
Sin embargo el
problema reside en la base de la película; el espectador termina el film sin
apenas conocer a su protagonista que, envuelto en un halo de soledad y
genialidad a partes iguales, cambia a cada rato su conducta sin motivo
aparente. Nadie entiende al pobre Steve, visionario incomprendido, ni siquiera
el guionista.
Podría uno caer en
lo fácil y culpar al eternamente joven Ashton Kutcher por las carencias de su
papel, pero lo cierto es que el que fuera Michael Kelso en Aquellos maravillosos 70 cumple de forma correcta en su rol. Amén
de transformaciones físicas, maquillaje, y un natural y asombroso parecido
físico, parece quedar claro que Kutcher es más que una cara bonita y está a la
altura del papel. Y es que de nuevo, los problemas vienen del guión, ya que el
personaje está a todas luces mal construido.
Probablemente si
nombramos a Matt Whiteley el nombre nos resulte desconocido, y es normal.
Porque el guionista de Jobs no había
escrito nada conocido hasta el momento...y se nota. La narración avanza a
trompicones, y mediante secuencias de montaje somos testigos de como la vida de
Steve avanza sin que nos la cuenten, con trampa y con cartón. Así, apenas vemos
una “selección de escenas” de su vida que para colmo resultan obvias y poco
sorprendentes. Pero el toque de gracia llega cuando de forma inevitable el
espectador se da cuenta de que lo que está viendo no es ni más ni menos que una
versión escuálida de La red social
(David Fincher, 2010). Pero entre ambos films hay un abismo con nombre y
apellido; Aaron Sorkin. Y es que el que fuera creador de El ala oeste de la casa blanca puede gustar más o menos, pero tiene
una capacidad prodigiosa para estructurar la acción, y especialmente para el
desarrollo de diálogos inteligentes. Mientras que en su película el personaje
de Mark Zuckerberg queda retratado al detalle (aunque de forma muy fría), en la
del desconocido Whiteley, Steve Jobs es apenas un espectro, un poster del personaje.
Poco más queda por
decir acerca de un biopic que pasa con más pena que gloria y que deja un agrio
pero conocido sabor a TV Movie en el espectador. Una pena, para esto ya
teníamos Piratas de Silicon Valey
(Martyn Burke, 1999).
NOTA: 6
REPASO AL CIM SUECA
UNO DE LOS FESTIVALES MÁS ORIGINALES DE LA ACTUALIDAD
PREMIO S.H.I.T DOTADO CON 750 EUROS Y TROFEO
L’ATTAQUE DU MONSTRE GÉANT SUCEUR DE CERVEAUX de Guillaume Rieu
——–
MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO DOTADA CON 250 EUROS Y PLACA
THY KILL BE DONE de Greg hanson & Casey Regan
——–
MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO DOTADA CON PLACA
Si AMANECE! de TIWOROSKY
——–
MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO DOTADA CON PLACA
SETMANA SANTA de Pep Aguado
——–
MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO DOTADA CON PLACA
THE ELABORATE END OF ROBERT EBB de Clement Bolla, Fx Goby & Mattiew Landour
——–
PREMIO DEL PÚBLICO DOTADO CON 250 EUROS Y TROFEO
FIST OF JESUS de David Muñoz
——–
PREMIO NUEVA CREACIÓN DOTADO CON 250 EUROS Y TROFEO
HAPPY BIRTDAY MR ZOMBIE de David Leclercq
Setmana Santa, una de esas chorradas que te alegras de ver en pantalla grande y por la que debemos dar gracias al festival.
SI AMANECE! Debido a que soy “amigo” del director, no puedo ser objetivo en esta pieza que mezcla el cine de Russ Meyer con la música de Rocío Jurado. Os dejo el enlace y juzgáis vosotros.
http://vimeo.com/69378213
Thy Kill Be Done, es otro homenaje al Nunsploitation, o lo que es lo mismo, el subgénero que da protagonismo a unas peculiares monjas. Aunque la idea es buena, tres monjas vengan la muerte de un sacerdote por parte de una banda callejera, y tenga grandes momentos de gore cazurro, eché en falta más mala leche. Al ser levemente bienintencionado no vemos ni ningún momento tremendamente cómico ni un tanto erótico, elementos fundamentales de estos films Grindhouse de las servidoras de Dios. Es disfrutable pero esperaba tetas y más chorradas like pianos.
DIEGO REAL
El cine mierda debe ser reivindicado (yo nunca dejo de hacerlo) y qué mejor que con su propio festival. Un evento en el que se dan cita esas piezas que nunca verás en un circuito comercial o incluso independiente por mucho que tenga la categoría de “fantástico” o “terror”. El CIM (Cinema Internacional de Mierda) Sueca cumple su segunda edición con humildad, pero sin dejar de ser tremendamente ambicioso y con un excelente esfuerzo y trabajo de sus organizadores. Así se dieron cita alrededor de 50 cortometrajes de todo tipo de géneros y cuatro largometrajes tan cutres como divertidos. Os dejo un repaso del palmarés y mis impresiones sobre los trabajos:
PREMIO S.H.I.T DOTADO CON 750 EUROS Y TROFEO
L’ATTAQUE DU MONSTRE GÉANT SUCEUR DE CERVEAUX de Guillaume Rieu
——–
MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO DOTADA CON 250 EUROS Y PLACA
THY KILL BE DONE de Greg hanson & Casey Regan
——–
MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO DOTADA CON PLACA
Si AMANECE! de TIWOROSKY
——–
MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO DOTADA CON PLACA
SETMANA SANTA de Pep Aguado
——–
MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO DOTADA CON PLACA
THE ELABORATE END OF ROBERT EBB de Clement Bolla, Fx Goby & Mattiew Landour
——–
PREMIO DEL PÚBLICO DOTADO CON 250 EUROS Y TROFEO
FIST OF JESUS de David Muñoz
——–
PREMIO NUEVA CREACIÓN DOTADO CON 250 EUROS Y TROFEO
HAPPY BIRTDAY MR ZOMBIE de David Leclercq
Happy Birthday Mr. Zombie parte de una premisa sencilla pero original. ¿Cómo celebran los zombies su cumpleaños? Pese a la idea inicial, el genial maquillaje y algún que otro punto divertido, se me hizo un pelín lento y redundaba en el esquema de “sketch” cómico. Pasable.
Fist of Jesus, la última locura de David Muñoz y Adrián Cardona, dos de los referentes de la serie Z en la actualidad. Había mucho hype alrededor de este cortometraje en el que Jesucristo debe enfrentarse a una invasión zombie provocada nada más y nada menos por la resurrección de Lázaro… Y no era para menos. Un Cristo desatado en compañía de Judas utilizando pescados como única arma en un festín de gore excelente. Por poner alguna pega, algún gag humorístico no es del todo original pero, ¡qué cojones! Funciona. Y qué decir de la banda sonora de los títulos de créditos, jodidamente épica. Un gran cortometraje que pasará al largo con el título de Once Upon A Time In Jerusalem. ¡Ganazas!
The Elaborate End Of Robert Ebb. Una pieza elegante, sutil y divertida. Narra la historia de Robert, un guarda de seguridad de un estudio de películas de Serie B durante los 50, que decide ponerse el traje del extraterrestre protagonista para dar un buen susto a su jefe. Todo sale mal cuando queda atrapado dentro del traje. A partir de ahí, el protagonista intenta escapar, pero inevitablemente, terminará actuando como uno de estos seres del espacio, causando el pánico entre los ciudadanos. Muy divertido, lleno de referencias, con un simpático final y unos bonitos créditos finales.
http://vimeo.com/63227537Setmana Santa, una de esas chorradas que te alegras de ver en pantalla grande y por la que debemos dar gracias al festival.
SI AMANECE! Debido a que soy “amigo” del director, no puedo ser objetivo en esta pieza que mezcla el cine de Russ Meyer con la música de Rocío Jurado. Os dejo el enlace y juzgáis vosotros.
http://vimeo.com/69378213
Thy Kill Be Done, es otro homenaje al Nunsploitation, o lo que es lo mismo, el subgénero que da protagonismo a unas peculiares monjas. Aunque la idea es buena, tres monjas vengan la muerte de un sacerdote por parte de una banda callejera, y tenga grandes momentos de gore cazurro, eché en falta más mala leche. Al ser levemente bienintencionado no vemos ni ningún momento tremendamente cómico ni un tanto erótico, elementos fundamentales de estos films Grindhouse de las servidoras de Dios. Es disfrutable pero esperaba tetas y más chorradas like pianos.
L´Attaque Du Monstre Géant Suceur De Cerveaux. La que más curiosidad me despertaba y la que fue gran triunfadora. El argumento es cuanto menos original: un monstruo que escapa de un film de serie B en blanco y negro y termina en un colorido film musical. Reconozco que jugaron con ventaja ya que si mezclan serie B y género musical a mi ya me tienen ganado. A pesar de que la mezcla puede ser peligrosa el resultado es fantástico por estar realizado de manera tan entrañable y con una metareferencial, que va desde los créditos iniciales hasta los efectos especiales, en animación tradicional y stop motion.
https://www.youtube.com/watch?v=MIdIOE1ybkE
Además quiero destacar los siguientes trabajos, porque sí:
Chewbaccan de Jorge Jarel Sanjurjo, una gilipollez como un castillo que hizo que me descojonase. Su director, J.J.S. ha sido todo un descubrimiento para mi.
L´Últim refugi de Marc Barceló y Josep Serra , un excelente y curioso documental sobre Dani, el joven que se hizo tremendamente famoso al construir el primer refugio anti zombies del mundo en un pueblo barcelonés. Durante el metraje vemos como la prensa se hizo eco de la misma tratando al protagonista como un loco, y los enfrentamientos contra aquellos que quieren derribarlo. Una curiosidad que es una radiografía de nuestra sociedad y que a la vez sirve como estudio sociológico del fenómeno zombie en estos tiempos. Aquí os dejo uno de los múltiples reportajes sobre el mismo: http://www.youtube.com/watch?v=hvWzMzhj51E
Sin más, espero con ansia la tercera edición de un festival tan divertido que los trofeos eran cacas y un orinal. Muchas gracias a los organizadores por su labor y por el excelente trato.
BEHIND THE CANDELABRA: SÉPTIMO ARTE EN LA PEQUEÑA PANTALLA
HUGO MUGNAI
LA GRAN FAMILIA... REFERENCIAS ¿ESPAÑOLAS?
HIMAR R. AFONSO
En el año 2010, España ganó
el primer Mundial de Fútbol de su historia, uno de los acontecimientos
deportivos con más repercusión de los últimos tiempos en nuestro país, si no el
que más. Por esa época, Daniel Sánchez Arévalo (AzulOscuroCasiNegro, Gordos)
se encontraba en pleno rodaje de Primos,
y tanto él como los productores organizaron el plan de rodaje de manera que no
coincidiese con los horarios de partido, y todo el equipo se reunía para
verlos."El gran golpe": la nueva gran película coreana
El cine coreano sabemos que esta en crecimiento, no se puede
negar. Cada año llega a nuestras
pantallas la película “más taquillera de Korea de todos los tiempos”. Pero si
esta frase va seguida de “la mejor película (del género que trate) de todos los
tiempos”, pensamos dos cosas: la primera es que a los críticos les encanta engrandecer las cosas y segundo,
pues a lo mejor tienen razón. La película que tenemos para analizar es “El Gran
Golpe” de Choi Dong-hoo, película que fue estrenada fugazmente en nuestras
pantallas el año pasado y ahora ha llegado a DVD y Blu Ray.
"VIKINGS": sangre, batallas y dioses
A pesar de
ser una cultura fascinante y muy atractiva, los vikingos nunca han gozado de
adaptaciones de calidad más allá del clásico Los Vikingos (Richard Fleischer, 1958) con Kirk Douglas. Se ha
intentado recientemente con El guía del
desfiladero (Marcus Nispel, 2007) o ese cross-over
de Outlander (Howard McCain, 2008) pero
solo cosecharon sonados fracasos. Sin embargo el momento ha llegado en forma de
ficción televisiva con el estreno de Vikings.
Ragnar Lothbrok, un inquieto granjero vikingo del siglo VIII, intenta convencer
a sus compatriotas, y especialmente al infame conde Haraldson, de que hay
tierras inexploradas hacia el Oeste esperando a ser saqueadas. Lothbrok, gracias a su
astucia y falta de miedo, experimentará múltiples aventuras a lo largo y ancho
del mundo demostrando su valor y audacia.
“EPIC: UN MUNDO SECRETO”, LA ÚLTIMA AVENTURA DE BLUE SKY
HIMAR
R. AFONSO
Chris
Wedge nos presenta un universo en miniatura de seres que habitan en
el bosque y preservan la vida del mismo. A su vez, MK, una
adolescente humana, se verá envuelta en la aventura que deben
emprender los “hombres-hoja” para salvar el bosque y asegurar el
futuro.
Derek Cianfrance y su fallido Cruce de caminos
Con un vergonzoso retraso hasta el mes de septiembre de 2013, Cruce de caminos ha podido verse en
Francia antes incluso que en Estados Unidos. Protagonizada por Ryan Gosling y
Bradley Cooper, la película narra cómo Luke (Ryan), motorista de circo, intenta
hacerse cargo de su recién descubierto hijo de un año utilizando su talento
sobre las dos ruedas para robar bancos. Sin embargo, el agente y padre de
familia Cross (Cooper) intentará ponerle freno, enredando sus vidas sin
remedio.
Cruce de caminos
es una historia griega de ascenso y caída, de seres que tropiezan varias veces
con la misma piedra, de hombres que luchan por hacer lo correcto aunque a otros
no se lo parezca, y todo por amor a sus hijos. La gran historia de la película
se teje con tres tramas distintas: la del motorista Luke, la del policía Avery
y la que ambos dejan tras de sí. La de Luke, más espectacular y tierna que el
resto, se sostiene gracias a cómo un padre neófito con problemas de
inadaptación intenta formar parte de la vida de un hijo al que no conoce y teme
no conocer nunca. Aderezada con la interpretación de un Ryan Gosling hierático sospechosamente
parecido al protagonista de Drive y con
una Eva Mendes que suple la aparente falta de intensidad de su compañero, es la
trama más emotiva y visceral, en la que los sentimientos intentan aflorar en el
espectador. Pero no está a la altura de la historia del agente Cross. Las
vicisitudes de este policía que, a su manera, también lucha por hacer lo
correcto y darle a su hijo pequeño un futuro próspero, se desgrana con mucho
más interés porque da la sensación de estar viendo una película completamente
distinta. Su interprete Bradley Cooper da vida a un personaje con más
sentimiento que el de su compañero y por eso su historia se sostiene mejor. El último
acto es el que tanto el personaje de Gosling como el de Cooper provocan con sus
elecciones. Para no desvelar más, digamos que resume la idea de que nuestras
acciones repercuten en quienes nos rodean sin que podamos evitarlo. La película
podría haber ganado mucho con esta última historia que es el broche a una
extensa reflexión de malograda profundidad sobre la responsabilidad de uno
mismo hacia quien ama.
“THE AMERICANS” o como engañar al gobierno americano
¿Y si
descubrieses que tus vecinos, los padres de un amigo o los amables panaderos
fuesen en realidad agentes rusos ultrasecretos? ¿Y si hablasen nuestro idioma
mejor que nosotros, hiciesen las mismas cosas y llevasen una vida normal? Este
es el fascinante punto de partida de una de las series de la temporada pasada: The Americans (FX). Protagonizada por
Keri Russel y Matthew Rhys, un matrimonio aparentemente americano y feliz, la
serie narra cómo es su día a día como espías soviéticos durante la administración
Reagan y los problemas que eso implica para su matrimonio.
"Juerga hasta el fin": yo quiero fumar lo mismo que los guionistas
Desde hace años vivimos una
crisis muy dura que esta afectando todas las facciones de la vida humana:
economía por los suelos, políticos corruptos, sociedades revindicándose… El
cine, al ser un reflejo de la realidad, ha querido trasmitir todos estos miedos
a la gran pantalla. Miedos de fatalidad, muerte, y fin. Por ello que podemos
ver muchas películas apocalípticas, donde todo lo que conocemos se derrumba y
no queda esperanza alguna, más que redimirse y aceptar el fin.
Claro está que Hollywood no
conoce los límites de “el fin”, una vez que hemos visto centenares de dramas
sobre éste, ya era hora de ver una comedia gamberra de la misma temática. Y así
es como podemos ver en nuestras pantallas “Juerga hasta el fin”
