El Día del Espectador

HIMAR R. AFONSO

No he leído aún la obra de Victor Hugo, aunque siempre escuché que el musical no reflejaba exactamente el espíritu del libro. Lo que sí puedo decir es que la película es una adaptación fotográfica del musical. Esto trae consigo una serie de implicaciones que dotan de algunas novedades a la estructura narrativa del musical clásico de Hollywood, empezando por el vehículo narrativo, los diálogos: en Los miserables (Les Misérables, 2012), de Tom Hooper, prácticamente no hay diálogo, casi todo es cantado.

Esta decisión (porque se trata de eso, de decidir hasta qué punto se va a adaptar al cine un musical de teatro) supone el segundo riesgo de la película; el primero es, directamente, apostar por el género musical en una época en la que el arte está desquiciado de las “grandes obras”, el postmodernismo se burla de los viejos valores y la crisis económica y social se trasluce en medios como el cine a través de “tendencias del desencanto”, interesantes obras con discursos irónicos o de denuncia. El lugar que ocupa Los miserables es, aunque no quiera, el de esa amalgama de grandes producciones cuyo objetivo industrial (industrial) va encaminado a difundir una serie de mensajes de esperanza por parte de infraestructuras políticas concretas en tiempos de decadencia social (las cansinas pero innegables teorías conspiratorias). Más allá de esta función industrial de la que creo no es responsable la propia película, parece que la cinta de Hooper no ha fracasado, ni mucho menos, en esas decisiones que fue tomando, pues la taquilla está siendo realmente buena y pocas películas pueden presumir de levantar a los espectadores de sus asientos y romper en aplausos. Pocos pueden decir eso.

Y pensar en la obra como un ejercicio de intelectualidad en cuanto a recursos estilísticos (no se me ocurren otros) no solo supone un piropo para ese gran elenco de espectadores que está pagando en el cine, sino una incoherencia importante si observamos la cantidad de números musicales y explosiones interpretativas por parte, esta vez sí, de todos los personajes de la película, que no son pocos. Lo cierto es que la estética feísta que practica Tom Hooper le convierte en el director idóneo para esta nueva elaboración del musical cinematográfico, a través de una historia como Los miserables, fácil de descontextualizar para servir de narración contemporánea de cualquier época de la Historia. Totalmente encajada en nuestro momento y con una propuesta formal diferenciada, solo me queda rendirme ante su majestuosidad, dejo las críticas vacías para mi querido colega Néstor Sánchez, quien sin duda destripará la película con todos los frágiles argumentos que su tarantiniana imaginación le proporcione.

En cuanto a la película, lo más destacable con diferencia es el trabajo de los actores. Salvo Russell Crowe, el más grande monstruo interpretativo de nuestra época y de quien no se esperaba menos en su encarnación de Javert, muchas expectativas se habían puesto en el resto de actores y actrices, por ser debutantes en obras dramáticas más cercanas al teatro (en cuanto a interpretación) que al cine sensacionalista al que nos tenían acostumbrados. Destacable por encima de todos, parece poco discutible que está Hugh Jackman, no tanto por su voz, que también, como por su papel protagonista y sus soberbios monólogos. Evidentemente, una gran sorpresa ha sido Anne Hathaway, cuyo número de I dreamed a dream sea, probablemente, el más emocionante y más íntimo de la película; papeles sorprendentes también los de Eddi Redmayne, Samantha Barks y Aaron Tveit, siendo, quizás, el de Amanda Seyfried el único que plantea alguna pega, quizás por su extremada pureza y perfección; pero no deja de realizar un trabajo formidable y no deja de ser una actriz perfectamente bien elegida para el personaje.

En la línea estética, es necesario hablar de Hooper como el máximo responsable del universo de Los miserables, donde ha recurrido como en su exitosa El discurso del Rey (The King´s Speech, 2010) o su impresionante mini-serie John Adams (2008), a los planos imperfectos, los saltos de eje y los primerísimos primeros planos para intimar con los personajes. Es en estos recursos de puesta en escena en los que se aleja del musical clásico, pasando en varias ocasiones de los números musicales grandilocuentes a los intimistas de Jackman o la citada Hathaway. Y el hecho de que el 95% del filme sea cantado supone que cualquier tipo de diálogo es otra canción, y esto permite alejarse definitivamente de conceptos sobre el realismo más o menos convenidos.

A parte de esto, la música que compusiera Claude-Michel Schönberg y la letra de Alain Boublil y Jean-Marc Natel conforma el auténtico ADN tanto del musical como de la película, y constituye el eje de unión entre ambos universos, permitiendo establecerse entre los signos identitarios de una y otra manifestaciones artísticas. Ante las evidentes limitaciones que tiene el teatro frente al cine, su puesta en escena no deja de ser espectacular y su condición de espacio físico único le permite adquirir un espíritu dramático desprovisto de cadenas realistas, algo de lo que el cine, en su concepción ontológica, se ve atado y preso sin opción alguna. La fábula que se genera en torno al musical de teatro le otorga ese signo distintivo (además de contar con cantantes profesionales); y por su parte, el cine se ve incapaz de lograr esa “magia del directo”, esa fábula clásica basada en el imaginario del teatro como arte espacial, pero le permite otras muchas posibilidades diferenciadoras, empezando por la extensión espacio-temporal y los límites traspasables de los efectos visuales. Y aún así, la maestría de Hooper y de la obra está en su apuesta por la teatralidad, precisamente. A pesar de la puesta en escena ambientada en la Francia postrrevolucionaria, no deja de percibirse tanto en los actores (que cantan en directo, por primera vez) como en los escenarios, cierta vocación teatral en cuanto a la narración.

Y en esta base teatral que se construye, a través de monólogos musicales cuasi-shakespearianos (que, representados en cine, evocan a los ideales de la dramaturgia), los principales protagonistas adquieren una profundidad realmente emotiva, empezando por Jean Valjean y su tragedia simbólica en cuanto a “la voz del pueblo”, sus fantasmas del pasado y la carga imperdonable de la que su propia alma le responsabiliza; Javert como el villano perfecto, cuya diversidad de dimensiones le convierte en uno de los más interesantes que puedan verse, dadas sus convicciones y su conflicto interno, algo que solo la mirada de Crowe podía expresar.

Sin olvidar la propia historia y la épica que tanto tedio parece producir según en qué momentos, Los miserables no solo es un trabajo impecable, es, a mi juicio, una de las mejores películas del año. Tras los grandes estrenos esperados para 2012 desde Hollywood El caballero oscuro. La leyenda renace (The Dark Knight Rises, C. Nolan), Prometheus (R. Scott) y El hobbit: un viaje inesperado (The Hobbit: An Unexpected Journey, P. Jackson), creo que la gran sorpresa la ha dado Tom Hooper y “sus miserables”.

HIMAR R. AFONSO

Una semana después del estreno del año, El hobbit, terminamos nuestro particular homenaje a Peter Jackson con King Kong (2005) pues, como dijo Nestor Sánchez en el primer capítulo, varias veces ha dicho el director de El señor de los anillos que la película original de 1933, de Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack, fue la que le hizo soñar con dirigir sus propios filmes.

Así, el director neozelandés, tras consagrarse con la trilogía del anillo, decidió homenajear al gran gorila y realizar no un remake exactamente, sino una reinterpretación de la aventura de su infancia. Porque King Kong no puede rehacerse, ni mejorarse, y eso lo sabía Peter Jackson, simplemente volvió a contar la historia a nuevas generaciones que no podrían sobrecogerse con la maqueta del gorila de 1933 y que quizás lo disfrutarían con los efectos especiales del siglo XXI. Suficiente tiempo había pasado desde la última película que se hizo sobre el rey gorila como para permitirse el lujo de darle vida una vez más.

Cabe pues, analizar de forma comparativa la obra que iluminó a Jackson con la suya propia, cerrando su deuda particular como cineasta. Es imposible, en mi opinión, superar de modo alguno la película de Cooper y Schoedsack, pues ni de lejos la de Jackson ha tenido la repercusión que tuvo en 1933, y tampoco puede competir con el encanto nostálgico que desprende hoy ese gorila de ojos saltones, articulado y en blanco y negro. Pero lo cierto es que Peter Jackson logra darle un nuevo carácter tanto al animal como al resto de personajes, si bien a veces parece no tener claro su propia propuesta. Realmente, a la película le falta tener línea a seguir en cuanto a planteamiento; mientras que una de las mayores virtudes de El señor de los anillos es su clara y firme propuesta por realizar un cine de aventuras que se toma en serio el género, King Kong pierde fuerza en demasiados momentos, tanto en la aventura en sí, como en elementos concretos como la nueva tribu, más cercana a los Huruk Hai que a los seres humanos; todo el prólogo en su doble pretensión de conocer a los personajes y contextualizarlos en la Gran Depresión antes de emprender la aventura, y retrasar todo lo posible la esperada aparición del gorila; y, por encima de todo, la duración de la cinta: más que excesiva.

Este último punto hay que recalcarlo, pues la extensa duración genera una inercia que se traduce en “exceso constante” a todos los niveles: mientras que la película de 1933 comienza con los personajes ya en el barco de camino a esa isla misteriosa, Peter Jackson nos “regala” una hora de metraje antes de empezar la aventura, una hora que, además, no aporta gran cosa ni a nivel narrativo ni a nivel emocional, salvo descubrir sin necesidad de demasiado ingenio y sin necesidad de haber visto la obra original, que Jack Black no es el verdadero protagonista. También hay un exceso importante en las escenas de acción y en los límites que la película decide cruzar, como el salto de pértiga supraolímpico de los indígenas o el tiroteo en lianas de los tripulantes del barco, de los cuales alguno jamás había tocado una Thompson. Impresionantes escenas como la icónica pelea de Kong y el T-Rex (en plural aquí) o la persecución de los velociraptors y los diplodocus, resultan demasiado largas también. Todo esto convierte a menudo la película en una devastadora montaña rusa que te deja exhausto, y perjudica bastante al tercer acto, el que se desarrolla en Nueva York, pues es otra hora de película en la que vuelve a haber más acción y más acción, y el espectador quizás ya está cansado.

No obstante, a pesar de todos sus excesos (algo en lo que Jackson ha caído más de una vez), la película tiene muchas virtudes, empezando por la renovación de la empatía con el gorila. Consigue adaptar a nuestro tiempo el personaje de King Kong para conectar con el espectador contemporáneo (incontestables los movimientos de Serkin, como siempre), mejorando con creces la dramática caída final desde el Empire State, mucho más trágica y, evidentemente, más lograda. Además, coloca ese antiguo proverbio árabe en el momento que considera oportuno y respeta la potente banda sonora original a pesar de los arreglos del gran James Newton Howard.

El resultado es bueno, una película muy entretenida y bien realizada. Evidentemente, después de El señor de los anillos, nadie esperaba algo especial de esta película, y no lo es, salvo por el hecho de que tenga tanto significado para Peter Jackson. Desde luego, es otra prueba más de lo capacitado que está este director para realizar grandes aventuras fantásticas, siendo un referente en este tipo de superproducciones con otros directores como James Cameron, Ridley Scott, Christopher Nolan o Steven Spielberg, quien le pasará el relevo para la próxima aventura de Tintín.

Para terminar, personalmente le doy una buena nota a El hobbit, algo irregular, pero una aventura en toda regla, como el gorila de Hollywood. ¡Larga vida a King Kong!