El Día del Espectador

ÁLVARO TEJERO

Gavin O'Connor comparte junto al también neoyorquino James Gray su obsesión por los dramones familiares protagonizados por los miembros masculinos de las mismas. Pero a diferencia del director de Two Lovers (James Gray, 2008) no permite que la intensidad sature sus obras y asfixie el ritmo narrativo, envolviendo la catarsis familiar de genuino cine de género, ofreciendo espectáculo a los espectadores. Así ocurre de nuevo con su última película: Warrior (Gavin O'Connor, 2011)

Película que lleva camino de convertirse en cinta de culto por ser reflejo de la realidad de su país y por su falta de éxito en su estreno. Incluso aquí en España no ha sido estrenada en cines ni editada en DVD. Y su calidad no se merece tal trato. Pero no nos confundamos, no es una obra maestra ni pretende serlo; es una modélica cinta de boxeo, un intenso drama que cambia los guantes por las manos desnudas de las artes marciales mixtas y ofrece dos horas y veinte de energía.

La mayor virtud de Warrior es que funciona por igual en dos niveles distintos y contentará a una amplia variedad de espectadores. Como historia de peleas en un ring es simplemente acojonante, quien busque golpes y sangre de verdad terminará saltando en el sofá de su casa; pero quien además demande un drama familiar con crítica social no quedará defraudado de la intensidad de las situaciones. Intensidad y energía por parte de un director que debería ser ejemplo en las escuelas de cine y un reparto que borda sus papeles.

Todos ellos están perfectos, en especial Nick Nolte como el padre que empuja a sus dos hijos a enfrentarse entre sí y el menor de los dos, esa bestia llamada Tom Hardy que parece un bisonte en estampida. Ambos nos regalan una escena brutal que resume todo lo que hay entre un hijo y su viejo a lo largo de la vida. Al lado de ellos y sin desmerecer se encuentran el hijo mayor y su sufrida esposa: el incipiente Joel Edgerton y la bella Jennifer Morrison más conocida por interpretar a la Doctora Cameron en House M.D. Mi agradecimiento personal a Gavin por ofrecerle por fin un papel destacado en la pantalla grande a una de las mujeres de mi vida.

La cinta comienza homenajeando a El cazador (Michael Cimino, 1978) e introduciéndonos la analogía con Moby Dick que nos acompañará durante el resto del metraje, esa historia de autodestrucción contra una ballena. La primera escena ya nos avisa de que es un auténtico drama social en el que los personajes hablan con la misma fiereza con que luchan en el ring para después terminar de componer el triángulo masculino que conformará el armazón de la historia al igual que sucedía en la obra maestra del director, Cuestión de honor (Gavin O'Connor, 2008).

A partir de aquí se suceden los tópicos de toda película de boxeo, no exentos de arriesgados recursos formales de O'Connor (la pantallas partidas para mostrar el entrenamiento son un gran acierto), se definen las razones para combatir de cada hermano ( económica y familiar por un lado y como válvula de escape para el animal herido) hasta llegar al comienzo del torneo de artes marciales final que ocupa cerca de la mitad de la película.

Cualquier duda que arrastrara el filme queda olvidada a partir de este momento, con una sucesión de combates que van aumentando en tensión, emoción y dificultad (lástima ese rival ruso que recuerda a Rocky IV [Sylvester Stallone, 1985]) hasta llegar a la terrible batalla fraternal en la que oiremos el crujir de los huesos y nos situaremos en la piel de esos dos gigantes divididos por la figura paterna. Es una hora de ejemplar labor técnica y una lección de como rodar luchas cuerpo a cuerpo (destacar sobre todo la labor de los cuatro montadores, simplemente brutal).

Y es en ese tremendo final al límite dónde termina de coger forma la acertada metáfora que plantea O´Connor. Una crítica a la situación de América en la piel de esos dos hermanos que representan a la sociedad destruida del país. Unos hijos enfrentados y olvidados por el padre (la patria), cada uno en una dirección y obligados a luchar solos (en Irak uno y contra la crisis económica que acecha a su familia el otro) que deberán mirarse a los ojos y olvidar sus diferencias aunque sea en un ring, mientras golpean su espíritu inquebrantable. Un final épico y lleno de lírica que el director convierte en puro cine sirviéndose de la canción adecuada (el siguiente video es el FINAL de la película)

O'Connor nos habla de la necesidad de unión, de no dejar de luchar nunca por lo que creemos y de la redención y el sacrificio familiar. Menos ambigua que Cuestión de Honor pero también más directa, el director de Warrior nos vuelve a demostrar que junto a James Mangold y en ocasiones Peter Berg forman un triángulo de directores absorbidos por Hollywood que dentro del cine de género son capaces de ofrecer algo más, de dejar su sello y reflejar sus inquietudes en cada proyecto; de hacerlo suyo en definitiva. Son artesanos, son autores, son los últimos clásicos.

HIMAR R. AFONSO

Resulta que la compleja y restrictiva industria de Hollywood deja siempre la puerta entreabierta a artistas que no forman parte de su cultura y su metodología de producción, pero que realmente tienen algo que aportar dentro de su negocio. Resulta que la libertad que tienen los directores más independientes (en cuanto consigan dinero) es gratificante en el trabajo más que en los resultados económicos, por lo que hay un grupo, un colectivo determinado en la industria mundial del cine que se mantiene en un podio tembloroso en el que les pueden entregar medallas como tirar tomates podridos: los actores.

 

Cada año o en fechas determinadas (verano, navidad...) el trabajo de algunos de ellos (y las estrategias de marketing de las majors) se ve recompensado con un salto cualitativo de fama o popularidad, acompañado de diversos trabajos con equipos humanos de alto nivel; sea el caso, por ejemplo, de la mujer del momento Charlize Theron, a quien me rindo igual que la mayoría, al igual que me rendí hace tiempo y seguiré haciendo en su decadencia que, esperemos, nunca llegue. La actriz sudafricana lleva muchos años en Hollywood trabajando con actores con escaparate como Johnny Depp, Keanu Reeves o Will Smith y manteniéndose en la élite de la Meca del cine, con un Oscar de la Academia incluido. Aún así, siempre he tenido la sensación de que no se ha tenido en cuenta su trabajo tanto como debería, hasta ahora. Parece que este año ha terminado de explotar su fama (que no su talento, del cual ya éramos testigos) con dos películas: Blancanieves y la leyenda del cazador, de Rupert Sanders y Prometheus de Ridley Scott. La primera una película muy interesante y la segunda, una de las más esperadas del presente año, por lo que definitivamente Theron se ha consagrado.

Un caso, no obstante, no tan dramático el de Norton. Hay actrices como la espléndida Jennifer Conelly que tuvo su merecido reconocimiento (Oscar y Globo de Oro) por su papel en Una mente maravillosa, a la altura de un coloso como Russell Crowe, pero que a partir de ahí se acabó. Poco hemos podido ver de esta actriz, en realidad, y demasiado de la bellísima y plástica Scarlett Johansson, por nombrar alguna diva. Sin menospreciar a las grandes estrellas (Theron es hoy una de ellas), lo que me chirría es la poca importancia que da Hollywood al talento para atender únicamente a las ventas, desperdiciando a actrices como Connelly o actores como Eric Bana (con quien coincidió Connelly en Hulk, de Ang Lee); un actor que ha tenido la suerte de trabajar con grandes como Spielberg o Scott, o con gente de renombre como Wolfgang Petersen o Curtis Hanson, pero sin reconocimiento alguno.

Y siguiendo con los “condenados de la industria”, pasamos al caso que para mí es más clamoroso y evidente. Clamoroso por ser, a título personal, uno de los mejores actores contemporáneos; y evidente, porque no creo que haya un caso más claro que el de Paul Giamatti para explicar por qué Brad Pitt (excelente actor) puede protagonizar Moneyball y Giamatti se tiene que contentar con Win win. Da lo mismo. Paul Giamatti no tiene cuerpo ni cara para ser un héroe clásico, pero cada papel que hace, sea secundario o protagonista, es brillante, exquisito. Jamás vi una interpretación igual a la que realiza en la miniserie de Tom Hooper John Adams, ni papeles tan escandalosamente perfectos como los que realiza en El mundo según Barney o Entre copas... por no hablar de mi predilecta La joven del agua. Paul Giamatti es un catedrático de la interpretación que tendrá que soportar las miradas despreciativas de gente que no le llega ni al chicle pegado en la suela del zapato.

Junto a él, reclamaría a Laura Linney, una actriz capaz de desquiciarte en una película como El show de Truman y capaz de enamorarte como en John Adams. Una actriz que es bella por lo que trasmiten sus ojos y no por el resto de su cuerpo, una actriz brillante, que puede presumir de haber trabajado con Peter Weir, lo cual no significa mucho en Hollywood, y con una filmografía bastante amplia, pese a todo. Muchos casos como estos quedan, muchos talentos desperdiciados por la industria líder del mundo aunque aprovechados por otros que a veces son incluso más interesantes. Un caso demasiado evidente, también, es el del gigante Duncan, homenajeado aquí por Álvaro Tejero a propósito de su muerte este verano, relegado siempre a papeles secundarios en películas intrascendentes.

Para finalizar, un caso diferente pero donde también se plasma, en menor medida, el despiste de Hollywood: Marion Cotillard, una de las mejores actrices que ha pisado Los Ángeles en las últimas décadas. Una mujer con una alta reputación en Francia y que ha trabajado con los grandes de Hollywood, como Crowe o Di Caprio, o con Ridley Scott, Michael Mann o con el popular Christopher Nolan, famoso a día de hoy e infame en artículos como el de Jaime Pastor, escrito para este blog. Tiene también su estatuilla, aunque podría tener más. Pero la actriz francesa no tiene, fuera de Francia y de Europa (y en mi opinión) toda la importancia que debería. No veo que haya una actriz mejor que ella caminando por las pasarelas de cada ceremonia que se celebra, ni papeles que dejen más huella que los que ella dejó en, por ejemplo, Enemigos públicos o Pequeñas mentiras sin importancia. Está bien colocada, por supuesto, pero, una vez más, menos valorada de lo que siento que debería.

Son los talentos mantenidos en la luz del soñado Hollywood y perdidos en la sombra de la ley de las estrellas.

ÁLVARO TEJERO

Durante este mes de septiembre se han estrenado en España a través de Digital + dos de las series más esperadas y comentadas de los últimos meses. Por un lado la vuelta a la televisión de Aaron Sorkin tras la cancelación de esa maravilla tan infravalorada llamada "Studio 60 on the Sunset Street"  con "The Newsroom", serie de la que ya hablaremos más adelante y en la que se refleja el desencanto sufrido por Sorkin en su idealismo bañado de crítica.

En el otro extremo artístico se encuentra "Revolution", nueva serie con la marca del cada vez menos prestigioso  J.J. Abrams y creada por el showrunner de "Sobrenatural". Aun así, había creado expectación con su trailer bastante deficiente siendo la gran apuesta de la temporada de la cadena NBC (tras varias temporadas llenas de fracasos). Una más de futuros post-apocalípticos como las tan criticadas "Falling Skies" y "Terra Nova" o la famosa "The walking dead". Que conste que no tengo nada en contra de J.J. Abrams y ahí está "Super 8" para demostrar lo que puede dar de sí.

Una vez visto el piloto de la serie la conclusión es clara: RIDICULO. Pero no como sensación final sino como adjetivo presente desde el minuto 15. No hay nada destacable en este primer episodio (salvando la "premisa") pero tampoco quiero destruir sin compasión el producto; aunque eso sí, es algo bastante complicado.

El piloto comienza con un esforzado padre de familia que llega a casa y anuncia a su mujer que ha llegado la hora y todo se va a apagar. No hay dramatismo, solo tranquilidad. Llama a su hermano para avisarle  y conecta un USB al ordenador para copiar en él unos datos misteriosos. Se apaga todo lo que necesita electricidad para funcionar y los aviones empiezan a caer. No sabemos nada, de acuerdo, pero han creado cierta expectación. Fundido a negro, aparece el título y han pasado 15 años. Aquí comienza el desastre.

"Revolution" no consigue ofrecer ninguna explicación para la nueva sociedad que plantea ni crear una realidad propia con algún tipo de coherencia interna. Despacha la explicación de los sucedido con un pequeño discurso de un profesor que resume todo a la idea de que la física y sus miembros se volvieron locos y la electricidad desapareció de golpe; incluso las baterías, que son independientes. Nos sitúa en una de las colonias-comunidades que se han creado dónde el ser humano a vuelta a la vida rural bucólica y está plenamente adaptado y feliz convirtiéndose en un experto cazador. A pesar de la detención brusca del progreso todo está impoluto, los personajes limpios y con ropa recién planchada y a la moda.  E incluso los personajes son capaces de llegar a Chicago sin mapas, brújulas o cualquier tipo de indicación. La gran ciudad está igual de higiénica pero parcialmente inundada.

Hay un ente malvado conocido como la milicia (cuyos soldados lucen trajes ridículos y llevan armas de fuego propias de "El último mohicano") que busca al padre de familia y a su hermano (que por cierto no han envejecido nada en 15 años) ya que tienen la solución para el problema eléctrico, pero se encontrarán la oposición de los vástagos del primero. El general de la milicia quiere la electricidad para poder usar aviones y tanques y gobernar el mundo (en 15 años seguirán en perfecto estado, lógicamente).

Este es el contexto, luego están los personajes (junto a las interpretaciones de los actores) y sus decisiones. Personajes planos y vacíos que justifican sus acciones mediante las frases : "son mi familia", "era mi padre", "es mi tío". Todos son buenos o malos, sin personalidad propia y sin  fuerza emocional. Utiliza los arquetipos de forma descarada: heroína en cuero, hombres musculados, malvado ingenioso, personaje misterioso o infiltrado con sentimientos.

Falla además en el tono, mezclando la ingenuidad y los sentimientos adolescentes con el uso de sangre para dar apariencia de relato serio. Se emite en USA en horario para adultos (10 p.m) por lo que han querido llevar la serie un paso más. La mezcla entre "Crepúsculo", "Los juegos del hambre", "Caperucita roja" "Waterworld" y "Mensajero del futuro" no funciona.  No son compatibles los toques de humor infantil del informático british-gay-cool  o los momentos de pose adolescente con las luchas propias de "Kill Bill" o el intento de mostrar el lado salvaje del ser humano. No se puede jugar en ambas ligas.

A todo esto no ayuda la falta de presupuesto palpable que se hace más evidente por la desafortunada labor del director Jon Favreau, que demuestra su incapacidad en la puesta en escena y en la consecución de ritmo narrativo. Viene a demostrar que "Iron-Man" no funciona gracias a él, sólo hay que recordar la también estúpida "Cowboys & Aliens".

El remate final es la última sorpresa, en la que terminan por destruir su intento de construir un relato que explore como sería nuestro mundo con la falta de electricidad mediante la aparición de un segundo USB que enciende los aparatos de forma mágica.

Una vez más, y ya van varias en los últimos años, un relato post-apocalíptico sin coherencia interna y lleno de contradicciones; a lo que se suma la influencia adolescente de muchos de los últimos taquillazos, con personajes sin desarrollar y un uso del concepto familia que convierte a "Falling Skies" en una obra adulta. Pero lo peor de todo es la sensación de no estar trabajada, la pobreza de su puesta en escena y el batiburrillo ideas.

 HIMAR R. AFONSO

       

 El análisis de la película de 1968 de Norman Jewison, The Thomas Crown affair (El caso de Thomas Crown, en España) y el remake de John McTiernan de 1999 con el mismo título (El secreto de Thomas Crown, en España), sirven de ejemplo para comentar una serie de variaciones estilísticas que ha experimentado el cine de Hollywood desde la década de los sesenta, en la que el sistema de estudios dejó de existir como tal, hasta hoy en día donde, después de todo, la estructura narrativa y los principios de continuidad se mantienen bastante intactos (principalmente en el cine comercial). Así, conviene analizar en primer lugar los principales aspectos narrativos de ambas obras para centrarnos después en la ejecución, en la realización.

            El argumento de la película original es sencillo: un ejecutivo millonario tiene pocas motivaciones en su vida, así que decide experimentar emociones fuertes robando un banco. Una premisa interesante, ya que un millonario con todo a su alcance sería la última persona sospechosa de un robo... salvo para una investigadora de una compañía de seguros, quien mediante pocas pistas y mucho instinto se vuelca en su investigación contra Crown; el giro de interés está en que ella le confiesa a Crown su propósito y a partir de ahí empiezan una relación sentimental, siempre condicionada por el hecho de que él mantiene su coartada y ella busca cómo encarcelarle. Independientemente de que la película sea mejor o peor, los elementos que caracterizan el guión son la linealidad, con un único nivel narrativo (los personajes tienen poco profundidad psicológica, si bien es cierto que están claras sus motivaciones), la inmediatez de las acciones y la suficiente información proporcionada, sin dar más explicaciones de las necesarias. La película se mueve entre el romance y el cine “de espías”, en cuanto al tono adquirido, y juega al despiste a través de un protagonista misterioso tanto para los demás personajes como para los espectadores.

            Por su parte, el remake de McTiernan trata de ofrecer una nueva versión, con cambios determinantes en el guión y caras nuevas y bien escogidas (siempre que queramos consentir que Pierce Brosnan es el Steve McQueen de los noventa o, lo que es peor, Rene Russo la Face Dunaway de esos años); en cualquier caso, el principal punto de interés es el objeto: Crown ahora no robará un banco, sino un cuadro de Monet del Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York. La relación sentimental de los personajes se trata de intensificar, siendo en algunas partes del filme el motor principal del relato y con un sentimiento más evidenciado por parte de ella, del personaje de Rene Russo; Thomas Crown, por su parte, es un personaje con menos profundidad que en la antigua, de tal manera que muchas veces se focaliza la historia en ella antes que en él, quizá en un intento de hacer más misterioso aún al personaje de Brosnan. Con estos cambios, es posible que la idea de “dar un giro a su vida” o “tener una experiencia estimulante” cobra un sentido mayor, ya que robar un banco, por millonario que seas, te proporciona un dinero extra pero, ¿un cuadro? Una obra de arte te enriquecería el alma, en todo caso; no es un deseo materialista, lo cual es más coherente para el personaje de Thomas Crown, independientemente de que al final lo que busque sea emociones fuertes.

            Bajo esta plataforma y pasadas tres décadas, podemos atender a los aspectos estilísticos de la película de 1968 y el cambio de enfoque en este sentido de su remake. En los sesenta surgieron una serie de directores como Arthur Penn, Sidney Lumet, Sam Peckinpah, Richard Fleischer o Franklin J. Schaffner, que muchos se formaron en la televisión. Esto supuso una tendencia visual en las películas bastante representativa de la época, con técnicas propias de la ficción televisiva o los videoclips; en la película de Jewison es bastante latente todo esto, con el uso agresivo del zoom, la fusión rítmica entre música e imágenes y, sobretodo, la fragmentación de la pantalla, bien en varios planos que muestran distintas acciones, como el mismo plano repetido múltiples veces.

            De estas características principales, McTiernan solo mantiene una de ellas en su film: la fusión rítmica de música e imágenes. A parte, ofrece la novedad (no tan novedosa en su panorama contemporáneo) de la continuidad intensificada de la que habla Bordwell y que tanto rechazaría Bazin, esa tendencia que ha habido en Hollywood de acortar cada vez más la duración del plano para tener películas con una frecuencia de tomas que se ha multiplicado en las últimas décadas (con McTiernan como uno de los destacados en los ochenta y noventa, por cierto).

            Inevitablemente, el aspecto del film de 1999 cambia. McTiernan renuncia a la contemplación de los efectos de imagen propio de los sesenta para buscar, mediante el montaje y la continuidad, el efecto en el espectador. No es necesario recordar que John McTiernan ha sido retratado como un realizador que domina a la perfección los códigos cinematográficos para la narración, acoplándose a cada guión para buscar el plano y el ritmo de montaje óptimos. Y es en este aspecto en el que cambia la perspectiva de la obra de Jewison, un director que junto con las nuevas tendencias, ha ido en la misma dirección que la corriente, con la firma artística de cada década en sus películas.

MARCO BARADA

Introducción:

Cómo dijo Ricky Gervais al empezar su monólogo en los Globos de Oro de 2012: “¿por donde iba?”. Ah sí, la falta de ideas de Hollywood. ¿Qué está pasando para que la industria del cine no tenga imaginación? Desde hace 15 años Hollywood prefiere incentivar ideas preexistentes que arriesgarse con nuevas. Desde finales de los noventa se está dando el fenómeno de las adaptaciones de cómics, los remakes, las secuelas y ese nuevo concepto del reboot. Este “reciclaje” ha existido sin embargo desde el nacimiento del cine pero sin embargo la tendencia ha ido aumentando cada vez más. ¿Qué empuja a Hollywood a ésta práctica?

Las películas de superhéroes concentran buena parte de estos tópicos. Uno de los ejemplos más diáfanos es Spider-Man (Sam Raimi, 2002), que en su momento fue una propuesta original, ya que por fin la técnica podía plasmar el universo Marvel sin un resultado irrisorio. El filme fue un éxito y abrió la veda del cine de superhéroes. Después de Spider-Man llegaron Daredevil (Mark Steven Johnson, 2003), Hulk (Ang Lee, 2004) Hellboy (Guillermo del Toro, 2004), Los cuatro fantásticos (Tim Story, 2005) o Superman Returns (Bryan Singer, 2006), por poner algunos ejemplos. Es innegable el talento de la industria para explotar una idea, sin embargo los éxitos de cada película no bastaron y se produjeron nuevas secuelas (y realmente es un adjetivo que las califica muy bien). Se llegaron a producir tantas que nacieron las franquicias. Y con ellas descendió la calidad artística del producto.

Hollywood ha descubierto la gallina de los huevos de oro: si una idea funciona, hay que exprimirla hasta que ya no quede nada. Esto significa que en el momento en el que una línea argumental de una cierta idea pierde espectadores, es el momento de revivirla. Y aunque eso provoque el tedio de una mayoría de espectadores, se está hablando de una máquina de dinero que tiene que generar sin parar.

Secuelas, spin-offs, reboots y remakes:

Una de las soluciones ha sido el spin-off (igual que en las series de televisión), con películas en las que personajes secundarios tienen un rol protagonista. El ejemplo más claro (y exitoso) es X-men orígenes: Lobezno (Gavin Hood, 2009), en la que se retoma la historia de Lobezno al margen de los X-Men. Otra solución para la máquina de hacer dinero es el reboot. Entendido como un reinicio de la franquicia adaptado a un nuevo público, el reboot pretende darle un aire diferente al tema y hacerlo parecer un producto nuevo gracias a una nueva cara y a un reinicio del universo. Volviendo a Spider-Man, en 2012 se estrenó su cuarta entrega en forma de reboot: The amazing Spider-man (Marc Webb). La película volvía a los orígenes de Peter Parker y narraba situaciones que las otras no contaron. Otro ejemplo es X-men primera generación (Matthew Vaughn, 2011), en la que descubrimos las primeras aventuras de nuestros jóvenes mutantes.

Y por último, una de las cosas que más ha caracterizado al Hollywood de los últimos años son los remakes. Se está dando con mucha frecuencia que Hollywood se haga con los derechos de éxitos extranjeros recientes para rehacer la versión americana. Los hombres que no amaban a las mujeres (2011), de la saga Millenium, cuya primera parte re-hecha se estrenó de la mano de David Fincher, tiene una diferencia de 2 años (!) respecto a su original sueca. En este momento se están produciendo en total 75 remakes y reboots: ¿cuántos se hacían hace 20 años? Y todo este reciclaje de ideas no hace más que repercutir en el público, que se cansa, que ya ha visto las mismas películas varias veces bajo formas distintas.

                                               

Y es que la clave para entender éste proceso son las series televisivas. Coincidiendo con el nuevo milenio, la televisión ha dado a luz toda una generación de series de una calidad igual o incluso superior a la del cine. Series como las ya vistas Los Sopranos (HBO) o más actuales como Breaking Bad (AMC) demuestran una calidad artística mayor que el cine que se hace hoy en día. Eso es precisamente lo que empuja a Hollywood a las franquicias: la serialidad. Una serie de televisión con 5 temporadas, 12 capítulos por temporada y 45 minutos por capítulo permite un desarrollo tanto de los personajes como de las tramas que una narración en 120 minutos no puede soñar. Ese tiempo nos permite conocer mejor a los personajes aunque nos sorprendan cada día. Hollywood quiere competir con eso pero tiene serias dificultades. La televisión le gana terreno inexorablemente. Y es que ni siquiera el 3D o el formato IMAX dan muestras de poder plantarle cara. La Meca del Cine necesita urgentemente una renovación de ideas y de talentos, de la talla de Christopher Nolan o J.J. Abrahams. ¿Será capaz?

DIEGO REAL

Así es amiguitos, si en todas las webs y blogs de cine se hacen listas sin ningún criterio en las que ni están todas las que son ni son todas las que están, yo me uno haciendo un particular repaso por los mejores endings (cuando quiero puedo ser tan anglosajón como Isabel Coixet) de la Historia del cine, sin spoilers. Eso sí, como he dicho es mi criterio por lo que no se esperen que habrá despedidas en aeropuertos emplazándote a cierta capital francesa, ni ladrones cojos y tontos que al final no lo son, ni siquiera niños que ven psiquiatras fantasmas con peluca. Juzguen ustedes:

ÁLVARO TEJERO

Aunque con los datos en la mano aun falten un par de semanas para el fin del verano la estación atemporal ha llegado a su conclusión cinematográficamente hablando. Se acaban los blockbuster, las cintas de animación y junta a ellas las vacaciones para dar paso a los festivales de Venecia, San Sebastián y Toronto antes de comenzar la carrera por los Oscars. Estos meses también nos han dejado algunas bajas en nuestro imaginario cinéfilo. Se acaba el estío y con él esas mágicas noches de verano que cantaban los protagonistas de "Grease"

El verano es el hábitat natural para grandes, aparatosos y normalmente vacíos blockbusters en compañía de cintas de animación para ocupar el tiempo de los niños y sus sufridos padres. Sin embargo esta temporada los estrenos han cumplido con creces en la mayoría de los casos:

"The Amazing Spiderman"  fue una agradable sorpresa que venció a la mayoría de escépticos que vaticinaban una caída sin red del héroe enmascarado y la nueva batalla del Caballero Oscuro  a pesar de bajar el nivel respecto a las anteriores, consiguió satisfacer en general a crítica y público además de  asaltar las taquillas mundiales (a pesar de algún trágico incidente). La animación, a pesar de no ofrecer en está ocasión ninguna joya ha conseguido divertirnos con los afilados sables y diálogos de "Piratas" mientras Pixar se mantenía por debajo de sus grandes obras pero siempre a flote con la infantil y feminista "Brave". Y finalmente aparecieron "Los mercenarios 2"  justificados por la crítica y el público en base a la nostalgia ocultando la pobre calidad que ofrecen (me cansa el argumento de la pobreza del cine actual con respecto al pasado, algo que solucionaré en próximos posts).

Charlize Theron: La estrella de este verano

Pero sin duda las dos noticas más importantes fueron el regreso de la mejor versión de Ridley Scott dirigiendo la espectacular "Prometheus" y la aparición tras una larga sequía de una gran obra de aventuras con la magistral "Blancanieves y la leyenda del cazador". No es casualidad que en las dos aparezca Charlize Theron, la reina del verano sin discusión. Ambas curiosamente víctimas de ataques y críticas injustificadas en ocasiones rallando lo absurdo (he llegado a oír quejas por la calidad visual de la segunda); es curioso, siempre lamentándonos del nivel de las cintas comerciales y cuando cumplen se buscan fallos dónde no los hay. 

También se ha producido el adiós de algunas figuras del séptimo arte. La más reciente Michael Clarke Duncan, ese actor negro de imponente figura que recordaremos por su papel de John Coffey en "La milla verde" seguramente iluminado por ese milagro llamado Frank Darabont. Y unas semanas antes el extraño y misterioso suicidio de Tony Scott, el hermano de... Como suele ocurrir se han magnificado las cualidades de este director, que si bien ha influido en el cine comercial de acción actual (para bien o para mal sería ya otra cuestión) sus cintas se asemejaban a los conciertos de masas de esas grandes bandas de "rock": mucho ruido y espectáculo visual pero el talento no está siempre presente. Aun así siempre nos quedaran grandes entretenimientos como "Marea roja" o "Enemigo público" (aléjense de "Imparable" si no quieren marearse y dormirse a la vez, eso sí)

Ahora llegan los meses en que desembarcan las películas "serias", el drama y el terror a la cabeza, y las distribuidoras desempolvan sus estanterías para ofrecernos títulos que no sabían en qué momento colocar; atentos estos días a "Shanghai", película con un impresionante reparto y ambición que se estrena el 7 de septiembre junto a otras interesantes propuestas. Intentaremos manteneros informados desde aquí.